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miércoles, 11 de diciembre de 2013

La música dentro del arte del actor




Como elemento técnico, formador, expresivo y creador.

El diario de un loquititico.
Muchas veces me he preguntado que es lo que caracteriza el arte de la interpretación con respecto a las otras artes ¿Qué lo hace único? Cual es su propia esencia. 

La respuesta obvia es “actuar, interpretar, caracterizar una fuerza vital” sin embargo es un poco más complicado, o al menos eso creo.

Por ejemplo tomemos a cualquier otro artista, digamos un pintor, depende de si mismo a la hora de crear, una escritora igual, un bailarín lo mismo, a lo sumo necesitaran sus herramientas de trabajo o algo que las simule. 

El pintor su lienzo y pincel, lápiz, etc. La escritora papel y su lapicero y el bailarín algo que produzca una cadencia musical o tal vez no, solamente su cuerpo.

A lo que me refiero es que todos los artistas de todas las artes tienen técnicas bien desarrolladas que les permiten elaborar su arte en cualquier situación y lugar, su técnica es un arte en si misma.

Entonces uno va a una reunión de amigos o conocidos y siempre surge la eterna cuestión: ¡Ah usted es actor! ¡Haga algo! Creo que a todos nos ha pasado, es un poco molesto porque uno se dice en silencio: “soy un actor no un payaso (sin ofensa para los payasos, que dicho sea de paso su arte les permite hacer cosas maravillosas en cualquier circunstancia a diferencia de los actores :)) 

Algunos actores y actrices que acceden a hacer algo empiezan a contar chistes usando toda su impresionante técnica adquirida tras años de estudio y trabajo para hacer clichés de personajes, cambiar el tono de su voz y contar un chiste actuado. Y muchos de esta clase de actores y actrices se dedican a eso, a crear pobres imágenes del ser humano para que la gente se ría de ellos.

 Yo mismo conozco un par de ellas que hasta les pagan por hacerlo en TV, y en cierta forma son las responsables directas de arruinar el talento y la carrera de muchos jóvenes artistas que piensan que de eso se trata la actuación.

Volviendo a mi punto, le podemos solicitar a un músico que haga algo y este simplemente, si accede, tomará su instrumento y gracias a sus años de técnica y trabajo duro nos hará reír o llorar, no de su interpretación si no con su interpretación. De su instrumento saldrá un depurado producto artístico lleno de vida, saldrá energía pura y no una simple mala imitación de la vida. Y lo mismo para cualquier otro artista, un malabarista, un clown, un pintacaritas.

Pero el actor no, él o ella se conforman con imitar, ¿Tendrá esto algo que ver con la ausencia de método, de técnica? Porque como dicen por ahí “cada maestrillo con su librillo” y este es el caso de muchos actores que tienen su método, su técnica secreta, tan secreta que ni ellos mismos saben cual es.

A mi me parece que precisamente la esencia del arte del actor es la creación de un espíritu vivo, mágico, reflejado en su propio cuerpo, en su propia alma. El actor es músico, payaso, bailarín, escritor, malabarista. El actor “Es” no imita “Él Es”. Pero para “ser” hay que primero “estar”, luego “ser” y luego “permitir”.

¿Cómo se logra esto? No hay una respuesta clara. Pero hay una forma “con trabajo metódico que nos permita colocarnos en ese estado de ser, de estar, de permitir. Al no haber un consenso sobre el método  a utilizar cada actor se dedica a buscar el suyo. A Dios gracias los músicos ya tienen un método que funciona, simple, ágil, exacto, matemático, que una vez dominado, el resto es cosa de la inspiración o de dios. Pero primero dominan el método y el talento le sigue.

Los actores haríamos muy bien en apropiarnos de este método que además tiene muchas coincidencias con nuestro arte, a saber: es simultáneo en el tiempo y el espacio, depende de un ritmo de una pulsación como la vida, se necesita partir de un estado de ser y estar, el público influye directamente en el desarrollo de la pieza, el interprete desnuda su alma y segundo a segundo lucha por mantenerse a tiempo o salirse de él, por dar la nota perfecta o errarla, su performance es un riesgo constante desde que inicia hasta que termina (así debería ser la vida del actor cuando está en escena).

El objetivo entonces de esta publicación es instar a los actores y actrices para que se aferren a un método artístico para encontrar el suyo propio. Yo recomiendo el musical como punto de partida, pues lo he experimentado en mi propio ser y me ha resultado más que valioso. Usen sus nociones básicas; como el tiempo, el ritmo, la melodía, la armonía, el desarrollo del oído, la improvisación, la concentración, la voz la memoría, la intuición, la visualización, la imaginación, etcetera.

Lo anterior les permitirá entrar en un estado de “ser, estar, permitir” en cualquier circunstancia y en cualquier lugar.

Utilicen el método musical, aprendan a tocar algún instrumento o a cantar, dediquen tiempo diario al método y se sorprenderán de los beneficios que traerá esto a su carrera como interpretes y a su desarrollo general como seres humanos.

En la red hay infinidad de sitios donde pueden aprender teoría y práctica musical de manera gratuita y de alta calidad, y por su puesto si tienen los recursos accedan a alguna academia.

Les dejo algunos enlaces por acá y espero que más adelante me compartan sus experiencias.

trainer.thetamusic.com/


El diario de un loquitico, teatro de calle.


Quiero cerrar este artículo con la siguiente cita de Goethe:

“Quisiera que el escenario fuera tan estrecho como la cuerda floja de un equilibrista, así ningún incompetente se atrevería a subirse en él” Goethe

Cualquiera se puede subir a una cuerda floja siempre y cuando haya preparado su cuerpo su mente y su espíritu, lo mismo aplica para un escenario.

 Cualquiera se puede hacer daño si se sube a la cuerda floja y no está preparado, lo mismo aplica para un escenario.

Feliz año nuevo.


  















Anna Likhacheva interpretando El Colibrí.


miércoles, 6 de noviembre de 2013

Roles de Villanos (Amor a primera vista)


Heath Ledger interpretando al Guasón.
A la mayoría de los actores y actrices por no decir que a todos, nos apasionan los roles de los villanos. Estos personajes nos incitan al juego de una manera superior, haciéndonos recordar cuando de niños jugábamos a policías y ladrones o indios y vaqueros y siempre; ya fuera que escogiéramos ser el policía o el ladrón nuestro personaje se perfilaba con cierto grado de dureza, de mal carácter y el deseo de cumplir con su trabajo a cualquier coste.

Me parece que es casi un instinto el gusto de interpretar personajes conflictivos que se oponen a las convenciones ¿ O quizás sea por el carácter neurótico, egocéntrico, exhibicionista que todo artista (y principalmente los actores) tiene?

Creo que para entender un poco mejor la necesidad que tenemos de estos personajes sería importante analizarlos en primer lugar. Para esto utilizaré partes del artículo "La construcción del villano como personaje cinematográfico" de la autora "Zoraida Jiménez Gascón"

Después cada uno estará en condiciones de sacar sus propias conclusiones sobre la atracción que sentimos sobre los personajes villanos o antihéroes.

"El villano es el personaje malvado que se opone al protagonista. Generalmente, los villanos son antagonistas, aunque no todos los antagonistas son villanos(...). El papel del villano siempre connota maldad" Linda Seger*.

"El villano es el motor de la historia, el personaje que hace que la trama avance y funcione ya que sin él, el héroe carecería de una meta (salvar al mundo, rescatar a    
alguien,  proteger  algo...)  o  la  tendría  pero  no  encontraría  a  alguien  que  le obstaculizase  alcanzarla.  Pero  la  Historia  del  Cine  nos  ha  dejado  ejemplos  depelículas en las que hay villanos pero no héroes: Scarface, el terror del hampa (Howard Hawks, 1932), la trilogía de El Padrino(Francis Ford Coppola, 1972) , Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), etc. En estos casos, el villano lo es por  sus acciones, generalmente relacionadas con el mundo del hampa, y no por ser el opositor a un personaje bueno. En la mayoría de los casos, se trata de películs protagonizadas por los villanos."

En 2003, el American Film Institute (AFI) publicó una lista con los 100 mejores héroes y villanos del cine estadounidense. Los ganadores fueron   elegidos por un jurado compuesto por miembros de la  comunidad cinematográfica,a partir de una lista de 400 candidatos elaborada  por el AFI. La definición que se 
dio del villano fue: «un personaje cuya maldad mental, carácter egoísta y fuerza de voluntad son a veces ocultados por la belleza y la nobleza, mientras que otras veces pueden  rabiar  desenmascarados.  Pueden  ser  horriblemente  malvados  o grandiosamente divertidos, pero son en última instancia trágicos»
. Entre los 50 villanos  seleccionados  encontramos a  malvados  míticos  del  celuloide  como Aníbal Lecter, Darth Vader, el Conde Drácula de Bela Lugosi o Cruella De Vil

 Algunos tipos de villanos (Personas):

1. Anarquista: busca acabar con el gobierno o el modelo de sociedad para   
imponer  el  caos.  En  este  grupo  se  incluyen  los  terroristas.  Ejemplos: 
Hans Gruber (La jungla de cristal).

2. Anti‐villano,  bienintencionado  o  noble:  villano  que  realiza  malas 
acciones movido por una causa justa. Es decir, su fin es bueno pero no 
los medios que utiliza. Ejemplos: Magneto (saga de XMen), Travis Bickle Taxi
Driver).

3.Archi‐enemigo: el enemigo principal del héroe cuyo enfrentamiento se    perpetúa  en  el  tiempo.  Ejemplos:  Joker  (saga  de Batman),  el  Agente Smith   (saga de Matrix).

4. Bruja: villana que ejerce el mal a través de la magia. Ejemplos: la Bruja mala del Oeste (El mago de Oz),  la  Reina  (Blancanieves y los siete enanitos).
5. Caído: comenzó siendo bueno pero se pasó al lado oscuro aunque en   ocasiones retorna al buen camino. Ejemplos: Darth Vader (saga de La guerra de las galaxias), Michael Corleone (El Padrino I).
6. Castigador o vengador: busca vengarse de la humanidad en general o de alguien en particular por algo que le sucedió. Ejemplos: Max Cady (El cabo del miedo), Sr. Frío (Batman y Robin).

7. Corrupto: persona que por su profesión (político, policía, etc.) debería    
ejercer el bien pero se ha dejado sobornar o viciar y ahora está en el 
bando contrario. Ejemplos: Detective Alonzo Harris (Training Day).

8. Defensor del sistema: es un villano atípico porque en lugar de 
enfrentarse al sistema (que es lo habitual) es su defensor. Normalmente 
se trata de sistemas o gobiernos represores. Ejemplos: Amon Goeth
 (La lista de Schindler), fray Emilio Bocanegra (Alatriste).

9. Demonio: ser  sobrenatural  de  naturaleza  maligna.  Ejemplos:  Regan 
MacNeil poseída (El exorcista), Conde Drácula (Drácula). 

10. Doble malo: el doble del héroe pero totalmente opuesto a él. Ejemplos:    
Superman malvado (Superman III).

11. Genio malvado: ser de gran inteligencia y conocimientos científicos que   
utiliza para hacer el mal. Ejemplos: Dr. No (Dr. No).

12. Maleante: villano perteneciente al hampa. Ejemplos: Michael Corleone 
(saga de El Padrino), Arthur Cody Jarrett (Al rojo vivo), Clyde Barrow y 
Bonnie  Parker (Bonnie and Clyde), Tom Powers (Enemigo público), Joker (saga de 
Batman), Tony Camonte (Scarface, el terror del hampa).

13. Megalómano:  sus  delirios  de  grandeza  le  llevan  a  ejercer  el  mal. 
Ejemplos: Cruella De Vil (101dálmatas).

14. Mujer fatal: Mujer que ejerce el mal seduciendo. También llamada 
vamp o femme fatale. Ejemplos: Phyllis Dietrichson (Perdición),
 Alex Forrest (Atracción Fatal) Catwoman (Batman Returns).

La creación del villano: construcción y características.

El  villano  como  rol  cinematográfico  (y  por  extensión  ficcional)
 parte de una concepción maniquea: en la historia hay buenos
 y malos,  y  ambos  bandos  son claramente identificables no
 sólo por sus actitudes y sus acciones sino también desde el punto de vista físico. En la vida real este tipo de distinciones no son tan 
fáciles pero los tópicos y estereotipos son frecuentes en el cine y el caso del villano.
 No iba a ser menos: un malo no sólo tiene que serlo sino también parecerlo.
 Y para parecerlo hay una serie de características recurrentes.
En cuanto a la personalidad, el villano es un ser cruel, inmisericorde,  despiadado,traidor, ambicioso y vengador que disfruta de su villanía. Y esto últi-mo es una cuestión importante: el villano se siente bien haciendo el mal.

"La  audiencia  debe  tener  clara  la  motivación  del  villano,  así  co-
mo  la  del  protagonista. 
Generalmente, el villano debería creer firmemente en sus propias acciones, sean correctas o no en el sentido convencional; éstas deben ajustarse a un código moral particular que puede ser contrario al código moral convencional o ser algo completamente distinto"
  (Davis, 2004: 173174).
 

Así que conociendo un poco más sobre la constitución del arquetipo del villano cada uno puede sacar sus propias conclusiones sobre porque son tan deseados este tipo de personajes para los actores. ¿Será talvez porque nos brinda la oportunidad de ponernos una máscara y con esta puesta poder realizar nuestra catarsis personal?

En mi experiencia como actor he interpretado un par de personajes de este perfil y si bien es cierto el carácter externo (caracterización) es deliciosamente jugable) el carácter interno representa un reto y una búsqueda constante como el de cualquier otro personaje, inclusive para mi gusto esa búsqueda se torna más desafiante, y a mi eso me parece sumamente atractivo a la hora de abordar un personaje... ¿Y a usted?.

Hagamos un trato/ Let´s make a deal. Los invito a contribuir a esta campaña para la grabación de el cortometraje:  "¿Arturo a Dónde Vas?" Pueden contribuir visitando este enlace: Cortometraje ¿Arturo a Dónde vas?

De antemano muchas gracias a toda la gente que contribuya ya sea con dinero o compartiendo el enlace. 


Linda Seger*
es una consultora norteamericana en guiones. La formación académica de la profesora Linda Seger incluye un Bachelor in Arts en inglés, por The Colorado College, y un Master of Arts, por la Northwestern University. Su tesis doctoral versó sobre la obra The visit, de Freidrich Duerrenmatt, y su exploración sobre cómo el drama comunica valores e ideas.

Fuentes:
Artículo:
"La construcción del villano como personaje cinematográfico" por; Zoraida Jiménez Gascón


miércoles, 11 de septiembre de 2013

Festival Shnit

Hola gente en el mes de octubre llega el Festival shnit de manera simultanea a 8 ciudades alrededor del mundo. Este festival de cortometrajes internacionales ha llegado a ser un evento audiovisual de gran trascendencia.

 Les comparto una nota escrita por la Periodista y Comunicadora de Mercadeo Christy Petri (Quesada Segura) encargada de prensa del Festival shnit Costa Rica 2013, y les invito a unirse a este magnífico evento.

 En el próximo post publicaré un artículo sobre los roles de villanos y anti heroes y porqué a los actores nos atrae tanto este tipo de personajes. Si alguien de ustedes ya ha tenido la oportunidad de interpretar este tipo de personajes les agradecería que compartieran su experiencia con todos nosotros, pueden escribir a mi correo alfredovarcal@gmail.com o dejar su comentario en este blog.



Publicado en: Noticias
Categoría: Audiovisual  > Festivales
Por: deleFOCO
Christy Petri (Quesada Segura)
  • Los cortos mundiales más sobresalientes serán presentados en ocho ciudades alrededor del mundo simultáneamente. San José es una de ellas.
  • El gran evento en Costa Rica se realizará del 2 al 6 de octubre en el Cine Magaly.
La fiesta, el arte y la cultura llegan al país para quedarse. Costa Rica podrá saborear una variedad y mezcla de exóticos cortometrajes, provenientes del otro lado del mundo y de nuestra propia tierra.

El Festival Internacional de Cortometrajes shnit, con sede central en Suiza, llega a exhibir en nuestra capital San José su undécima temporada a nivel mundial.

Además, por tercer año consecutivo, deleFOCO Comunidad Audiovisual tiene en sus manos este evento que mostrará la competencia internacional shnit OPEN y la competencia nacional MADE IN COSTA RICA, del miércoles 2 al domingo 6 de octubre en el Cine Magaly.

¿Pero… exactamente qué es un Festival shnit?

El Festival shnit se ha convertido en un acontecimiento excepcional para la unidad cultural y artística. Su prestigio lo ha llevado a ocupar uno de los primeros lugares a nivel mundial por su calidad de cine transnacional en la categoría de cortometrajes.

Shnit es más que cultura y eventos sociales. Éste permite que el espectador viaje entre la imaginación y emoción con variedad de gustos: aventura exótica, magia jugosa y crujiente, dulzura, drama, misticismo, y comedia, entre otros.

Los fundadores del festival Reta Guetg y Olivier van der Hoeven explican que los cortometrajes son atractivos por su deslumbrante diversidad, impresionante precisión y trascendencia de la narración tradicional. Además, los artistas logran una conexión con el público, desde los documentales y animaciones, hasta lo narrativo y experimental.

El festival cuenta también con la colaboración de ejecutivos PLAYGROUND de diferentes naciones. En el 2012, diez ciudades alrededor del mundo participaron de este gran evento internacional. Este año, las sedes fueron variadas para mejorar la distribución de cortos en diversos continentes.

Ocho ciudades estarán de fiesta simultáneamente, unidas en cuatro continentes y mostrando sus mejores cortos como una expresión de la gran calidad artística mundial: Bangkok (Tailandia, Sureste de Asia), Kyoto (Japón, Este de Asia) y New York (Estados Unidos de América, Norteamérica). Estos países se unirán a los ya existentes  Berna (Suiza, Europa), Buenos Aires (Argentina, Sudamérica), Cairo (Egipto, África del Norte), Ciudad del Cabo (Sudáfrica) y  San José (Costa Rica, Centroamérica).


¿Y… Costa Rica qué rol juega?

El PLAYGROUND San José mostrará la competencia internacional de cortometrajes del festival shnit y además realizará la competencia nacional MADE IN COSTA RICA.

El festival shnit ha recibido mucho apoyo y respaldo de diversas instituciones y empresas, como el Ministerio de Cultura, Centro de Cine, Municipalidad de San José, Embajada de Suiza, Centro de Tecnología y Artes Visuales (CETAV), La Nación, Post One, Radio Hit, Los 40 principales, entre otros. Además, nuestra capital se  convirtió en la primera ciudad latinoamericana en hospedar este festival, con orgullo para la región y especialmente para Costa Rica.

“Nos encanta ser parte de la familia internacional shnit para celebrar y compartir la pasión por el cortometraje alrededor del mundo. El festival sigue creciendo en San José y el virus fucsia se extenderá por Costa Rica para convertirse en uno de los más importantes festivales internacionales en la región centroamericana”, expresó Josué Fischel, director de deleFOCO y PLAYGROUND San José.

Esta gran oportunidad ha permitido que otras ciudades alrededor del mundo conozcan más nuestro país y que los costarricenses vivan un festival de cine como ninguno, con cortos mundiales de alta calidad. El shnit busca promover y celebrar el desarrollo de cortometrajes como forma de arte independiente.


La meta es crear una industria de cortometrajes a nivel mundial, mostrar talentos y calidad en múltiples estilos como una tendencia de cortos en el siglo XXI.  Es celebrar y compartir una cultura internacional con la oportunidad de ejecutar, administrar, hacer crecer la comunidad del cine y construir relaciones con otros países.

Por otro lado, el Cine Magaly abrirá las puertas al MADE IN COSTA RICA para la competencia nacional de realizadores costarricenses o cortos filmados en nuestro país. Los mejores proyectos serán seleccionados por un jurado nacional que decidirá cuáles cortos transmiten esa gran estética con innovación y que serán presentados a todos los espectadores.

El componente esencial y distintivo de un cortometraje es que sea de “corta duración”, según explican los fundadores del shnit. Es un trabajo interesante que desafía la habilidad del cineasta, pues debe mostrar una buena producción en contenido, creatividad, tiempo e inteligencia.

Un breve recorrido

El día de la inauguración, miércoles 2 de octubre, dará inicio la fiesta de cortos a las 7:30 pm, presentando una muestra de algunos cortos internacionales que se verán durante el festival. La competencia internacional shnit OPEN, que mostrará lo mejor de este sétimo arte a nivel internacional, dará inicio el jueves 3 y viernes 4, con funciones de 7:00 pm y 9:00 pm, el sábado 5 con funciones de 3:00 pm, 5:00 pm y 9:00 pm y el domingo 6, a las 3:00 pm, 5:00 pm y 7:00 pm.

MADE IN COSTA RICA se realizará el sábado 5 a las 7:00 pm mostrando los mejores cortos de la competencia nacional. La premiación del corto ganador MADE IN COSTA RICA elegido por el jurado y el premio del público se hará al finalizar la función de las 7:00 pm, el domingo 6. Por último, se arrancará a las 9:00 pm con una función especial, el BEST OF 2013, es decir, una presentación de lo mejor del shnit. Finalmente, todos podrán celebrar la gran fiesta Sound Circus Party en el bar Steinvorth para compartir la pasión por el cine y el cortometraje.

Premiación competencia internacional

Esta competencia premia cinco categorías por un total de 110.000 dólares. Las primeras tres categorías serán premiadas por un jurado internacional:
  • Categoría 10 minutos: 21.000 dólares (cortos de hasta 10 minutos).
  • Categoría 20 minutos: 21.000 dólares (cortos de hasta 20 minutos).
  • Categoría 40 minutos: 21.000 dólares (cortos de hasta 40 minutos).
  • Premio del público: 21.000 dólares (todos los cortos en competencia).
  • Premio de la dirección artística del festival: 21.000 dólares (todos los cortos en competencia).
La premiación internacional se efectuará en Nueva York con un jurado profesional y contará con la participación de los directores de cada PLAYGROUND, incluyendo el director del Festival shnit San José. Este encuentro servirá también para unificar la red transnacional y fortalecer el desarrollo de cortometrajes.

¿Le gusta el cine?

Bueno, ahora sí puede disfrutar de esta gran celebración mundial.  La inversión es de 3.000 colones (una función), 5.000 colones (un día) y 15.000 colones (todo el festival - 12 funciones). Esta última entrada no aplica para la inauguración. El corto lo dejará mirar el mundo a través de otros ojos con propia interpretación y le transmitirá muchas emociones en pocos minutos. Festival shnit 2013 tiene un espacio para usted.

Preventa de entradas:


jueves, 27 de junio de 2013

Chucho




Cortometraje de ficción con animación digital.

Dirección: Pablo Torres.

El proceso de grabación de Chucho fue algo totalmente nuevo para mi, aunque ya había participado en cortometrajes de animación digital, mi trabajo había consistido solamente en prestar mi voz para los personajes, que es sumamente interesante y divertido y hasta más desafiante a nivel de interpretación.

Lo diferente con chucho fue la secuencia animada, ya que se hizo la grabación en locación, pero para efectos de grabar movimientos y voz para que luego los animadores pudieran darle vida y movimiento a Chucho. A parte de esto hubo una sesión de fotos de mi rostro articulando letras y fonemas para que Chucho adquiriera mis rasgos y forma de articular las palabras.

En locación grabando las diferentes secuencias era interesante pues mucho de lo que sucedía se agregaría luego en post producción así que el uso del "Si mágico" fue una de las herramientas claves para mantener la concentración y darle realidad a la acción.

Mi agradecimiento para Pablo y todo el equipo que formaron un gran ambiente de trabajo que permitio desarrollar confianza. y bueno a mi compañero Javier medina quien interpreta Arturo, quien me brindó toda el apoyo. Aparte que cuando no estabamos grabando pues nos dedicamos a compartir y disfrutar anecdotas alrededor de una taza de cafe. Lo que como escribí en el post anterior genera una dinámica de trabajo super fluida cuando ya estás grabando en locación.

Definitivamente una experiencia super entrenida y enriquecedora como interprete, y no se ustedes pero a mi el resultado me encanta.

Les dejo el cortometraje para que puedan observarlo y dejar sus aportes.

viernes, 22 de febrero de 2013

El contacto físico en la escena


















Fotografía Hugo Dena



Tacto, confianza y autoconocimiento.

El contacto físico en escena es para los actores y actrices una barrera difícil de cruzar, sobre todo cuando se trata de contacto íntimo que involucra emociones fuertes, erotismo y o pasión. Ni que decir que para los directores y o realizadores representa muchas veces una frustración al no poder lograr la nota deseada en esa escena climática de su producción.

Hay diferentes motivos por los cuales los intérpretes ponen una barrera a la hora de tener contacto físico, desde mi punto de vista y experiencia me parece que estas son las principales (Voy a exponerlas y luego trataré de analizar cada una independientemente para intentar aclarar mi punto de vista):

1)      Los actores y actrices con mucha experiencia y entrenamiento corporal desarrollan una noción de área vital básica, un espacio íntimo donde la energía fluye y solo puede ser traspasada por el campo vital básico de otro actor cuando las circunstancias dadas de la puesta en escena lo justifican totalmente. Este campo vital básico es real; existe, es energía en movimiento. Sin embargo en ocasiones es confundido con el ego.
2)      Los actores y actrices con poca experiencia, pero con entrenamiento, les cuesta el contacto físico principalmente por falta de confianza en si mismos y en la otra persona y por estar pensando en la acción y no viviendo momento a momento las circunstancias dadas.
3)      Los no actores o “actores naturales” como dicen algunos “realizadores”, pues les cuesta el contacto físico en escena por que no están entrenados  y no son actores, entonces están violentando un proceso creativo artístico y no es culpa de ellos, si no del director o directora, que los coloca en esa situación.
4)      Deformación cultural, la sociedad, la educación nos empujan a masificarnos, a ser ciudadanos que cumplen su rol pero lo contradictorio es que esa masa que se pretende crear con el ser humano lo que logra es separarlo, ya no nos miramos, vemos gente en la calle, pero no hay contacto, y el primer contacto básico en escena es el visual, y ni siquiera se hace en la vida diaria.
5)      Una mezcla de todos los casos anteriores.

Ahora intentaré profundizar en cada punto para tratar de entender este “temor al contacto físico” que se hace más evidente cuando lo miramos en escena, sea teatro, cine o video.

De atrás para adelante, el punto 5 no necesita mucha explicación ya que es clara consecuencia de la mezcla de todos los anteriores.

El supuesto cuarto punto “Deformación cultural” la sociedad crea prejuicios, diferencias de clases, la educación aunque pretende ser estandarizada es totalmente desigual, los medios crean dependencia al consumismo y tratan de dictar maneras de actuar y de pensar, y aunque el objetivo primordial es hacernos iguales, ciudadanos ejemplares con los mismos derechos y deberes, es imposible de lograr, por una sencilla razón: no somos máquinas, somos seres únicos, y por eso es que esencialmente el ser humano es un ser social que necesita contacto físico, como necesita el aire, ya que mis diferencias las complemento con las de otra persona, por eso existe el arte por la diferencia de puntos de vista. Por eso existe el ser humano por que se necesita el contacto físico entre dos seres. Entonces tenemos que volver a lo básico, reaprender a tener contacto, como un niño de tres años que va sentado en el asiento delante del nuestro en el autobús y nos cautiva o nos asusta con su mirada inquisidora o con una sonrisa llena de vitalidad.

Tres “Los no actores o actores naturales”. Ahora los directores y directoras sobre todo en audiovisual tienen la costumbre de buscar sus protagonistas entre gente sin entrenamiento, por que en apariencia el actor o la actriz sobre todo los que trabajan mucho en teatro tienden a sobreactuar o a parecer poco naturales en escena, y es cierto en algunos casos. Entonces si el personaje es una señora que vende flores pues está bien que se busque a una señora que venda flores en la vida real, y no tengo la menor duda que lo va a hacer mejor que cualquier actriz, pero si esta señora en las circunstancias dadas del metraje tiene que prostituirse por que necesita salvar a su hijo enfermo con el dinero que le paguen sus clientes, y al realizador se le ocurre grabar una escena de la señora acostada en la cama con un hombre que la toca y la besa, creo que va a tener muchos problemas para lograrlo y si lo hace talvez sea después de la toma número 100. Se necesita entrenamiento para ese tipo de escenas y no de semanas, si no de años. Lo que va lograr el realizador es hacerle un daño sicológico a la señora en nombre del arte y grabar una escena de regular calidad en el mejor de los casos y con mucha suerte. Los procesos artísticos no se deben violentar, es algo lógico, básico. Nadie corre un maratón con un día de entrenamiento.

Dos; “actores entrenados pero que aún necesitan autoconfianza” y esto viene con el autoconocimiento, mi cuerpo es mi instrumento, necesita ser afinado día a día. En estos casos siempre es bueno conocer a la otra persona con la que haré la escena, hablar con ella o él, tomarse un café. Cuando estudiaba en el T.N.T de Costa Rica, en el segundo año de curso me tocó realizar una escena de amor con una compañera de clase, no éramos los mejores amigos; incluso teníamos diferencias, pero la escena salio bien porque teníamos año y medio de vernos todos los días de la semana durante un mínimo de cuatro horas, éramos novatos, pero estábamos entrenados, nos conocíamos y la escena fluyo. Ese es el secreto de los grandes grupos teatrales, la confianza que se desarrolla entre sus integrantes, incluso muchos directores de cine recurren a usar los mismos actores y actrices porque existe confianza y la confianza es conocimiento y facilita las cosas. Por otro lado hace dos años tuve que grabar una escena bastante íntima con una actriz con experiencia, talentosa, pero no nos habíamos conocido antes, la directora del cortometraje solo fijó un ensayo de la escena en cuestión y la actriz invitó a su novio al ensayo. Nosotros nunca nos sentamos a hablar y solo nos vimos en el ensayo y el día de la grabación, hubo que grabar como 12 tomas y creo que ninguna quedo bien, creo que se hubiera solucionado si hubiéramos tenido un par de ensayos sin el novio de la actriz, buscando ganar simplemente confianza, y nos hubiéramos tomado un café el día antes de la grabación, las escenas difíciles requieren más trabajo y eso hay que tomarlo en cuenta. Para terminar con este punto, hace poco me toco hacer un casting que involucraba tener una escena romántica con otra actriz, tuve la suerte de que me toco hacerlo con una amiga actriz a la cual conozco hace aproximadamente 20 años, pero teníamos como unos tres de no vernos, hicimos el casting juntos y los dos obtuvimos un papel en el programa, creo yo gracias a la confianza que nos teníamos. Entonces sí es muy bueno lograr todos los minutos de conocimiento de la otra persona que se puedan. Los realizadores deberían dejar que sus actores se sienten a conversar de lo que quieran, el punto es la confianza que se va a generar y está se verá reflejada de manera positiva en la puesta en escena.














Fotografía Hugo Dena, taller de formación actoral.


Punto uno “actores con mucha experiencia, muy talentosos y con mucho ego” Bueno como dije al principio; sí es verdad que todo ser humano tiene un campo vital único y debe ser cruzado solo cuando hay una verdadera justificación, pero voy a empezar primero con el punto negativo “el ego” actores y actrices que no se tocan por que son “divos / divas” y simplemente piensan: Yo soy mejor que él otro. O yo se más que todos y esta escena se debe hacer de esta manera. O lo hacen todo a pura técnica para evitar el cansancio, desgraciadamente eso es lo que más vemos en la escena hoy en día; actores que actúan, actores que no viven momento a momento. Una mueca de la vida.

Ahora y para ser justo, también hay directores, realizadoras, productores etcétera, que no respetan el espacio vital del actor y del personaje y quieren ir contra las leyes del arte, y aquí es a donde quería llegar.

Me parece que Shakespeare fue el que dijo que “el arte no es la representación de la vida, si no la representación de lo representable de la vida” Ahora yo estoy convencido que todo en la vida es representable, pero tiene que ser representado como algo superior a la vida misma.

Entonces, si tomamos por ejemplo la obra “Romeo y Julieta” podemos ver que trata sobre el amor, la pasión, el odio, la venganza. Los personajes de Romeo y Julieta son altamente complejos y son solo dos adolescentes. Shakespeare manejó el contacto físico entre estos dos personajes de una manera magistral, una obra de arte. Una mirada entre ellos representa un mundo de deseo, el roce de un guante es erotismo total, un simple beso el éxtasis supremo. Esto se logra por que todos los contactos físicos están plenamente justificados, son artísticos, son superiores a la realidad, pero al mismo tiempo es la realidad misma comprimida. Cuando Romeo y Julieta se besan solo se han tocado dos o tres veces en toda la obra y esto permite que el espectador cree su propio mundo, su propia lectura mágica de la historia. ¿Qué pasaría si a algún director se le ocurriera que desde la primera escena Romeo y Julieta estén en un puro toqueteo, besos y juegos sexuales, como lograría el clímax ese director? Me imagino que tendría que haber contacto sexual explicito, y no es que esto sea malo, pero le quitamos al espectador ese mundo mágico que se había creado, esa parte imaginativa que es tan importante en el arte. Perfilo algo y el espectador lo complementa, no represento la vida como tal si no que la comprimo, la hago representable artísticamente.

Pero este es solo mi punto de vista, sin embargo es un tema apasionante sin lugar a dudas y abierto a comentarios y opiniones diversas.

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Escena de la película Cold Mountain (2003), protagonizada por
Jude Law y Nicole Kidman.