Dirección de actores (Desde el punto de vista de un actor)

Juan Pablo Solís, me sugirió redactar una nota sobre la dirección de actores en audiovisual, desde el punto de vista del actor ¿Cómo cree el actor que un realizador lo debería guiar y potenciar sus habilidades, al construir un personaje ante la cámara?

En lo personal me parece un tema excelente y actual en la realidad del audiovisual nacional. Actualmente bastantes realizadores y realizadoras prefieren trabajar con actores naturales por diferentes motivos. En ocasiones es una opción muy valida y necesaria, como en el caso del cortometraje “Matías” de la realizadora Patricia Velásquez, en este corto dos de los protagonistas deben ser boxeadores adolescentes, para este caso particular es más fácil y apropiado buscar a dos jóvenes “no actores” que sean boxeadores y que te cumplan con el casting requerido, por la dificultad (no digamos la imposibilidad) de encontrar dos actores que tengan esas características (Casting de adolescentes y además, que sepan boxear profesionalmente) Muy inteligentemente Patricia trabaja con actores naturales, pero pone en un papel de reparto a la talentosa actriz Andrea Gómez, lo que brinda mucha seguridad y confianza para la misma realizadora y el resto del elenco.

Sin embargo, hay realizadores que prefieren trabajar con actores naturales, aduciendo no poder o no querer hacerlo con actores profesionales debido a su “histrionismo” (Termino mal utilizado) y tendencia mantener la técnica teatral. Se basan en esta premisa errónea y recurren a personas con ninguna experiencia en el arte de la interpretación, situándolos en roles protagónicos que siempre conllevan un grado de complejidad y profundidad. Al final, con contadas excepciones el resultado es de regular a mediocre.

Ahora el problema al final, pienso yo, no es de los actores que utilicen, ya sean estos profesionales, aficionados o no actores. El problema reside en un desconocimiento sobre la dirección de actores, del proceso de creación de un personaje, la falta de profundidad al analizar el personaje literario por parte del realizador y el miedo al enfrentar este personaje literario con el personaje de carne y hueso que le da el actor. De tal forma que pueden tener a la actriz o al actor más talentoso, pero aún así no se garantizan un buen suceso, debido a su propia impericia y temor como realizadores en el campo de dirigir y acompañar a un actor en el proceso de creación.

Hay tres momentos cruciales en la dirección de actores, donde se toman decisiones por parte del realizador, que van a determinar en gran medida el éxito o fracaso de su proyecto.

1) El proceso de casting
2) El periodo de ensayos antes del rodaje
3) El rodaje

El casting: Generalmente, y esto lo digo por experiencia propia, el casting se limita a: “Perfil, perfil, frente, sonría, diga su nombre, teléfono, edad. Lea este texto, avísenos cuando esté listo ¿Ya? OK grabamos, bla, bla, bla. Nosotros lo llamamos”

El realizador pretende encontrar a su protagonista de esta manera, espera verlo entrar caminando por la puerta, y puede ser que así sea, pero eso es como pegarse el premio mayor de la lotería.

El actor tiene el derecho a conocer su personaje, su historia, sus gustos, sus manías, sus características y su carácter. El realizador tiene el derecho de conocer a su actor, probarlo en sus límites, observar sus capacidades físicas, mentales y de expresión de sentimientos.

El casting debe ser un proceso creativo de alto nivel, el director debe observar a su actor reaccionando ante hechos concretos, esto le dará una idea de lo que puede hacer o no. El realizador al igual que un director de orquesta, siempre será quien mandé y de la pauta de la música a tocar, pero al final el que va ser escuchado tocando por el público, es el músico, el pianista. Así que no está demás, elegir un excelente intérprete, que no solo se vea bien sentado al piano, si no que lo sepa tocar.

Idealmente el actor seleccionado para ir a un casting debería tener acceso a alguna parte fundamental del guión antes de hacer la prueba, esto le dará tiempo de prepararse, de conocer el personaje o simplemente de ser sincero con él mismo y rechazar el papel, que tal vez no llene sus expectativas artísticas o que esté fuera de sus posibilidades expresivas. El actor tiene derecho a eso y el realizador trabajará mejor con un actor que conoce, al cual ha visto trabajar en los límites.

El periodo de ensayos antes del rodaje: Muy a menudo este paso intermedio de ensayos antes de la grabación no existe, o si se hace, simplemente se limita a una sesión de lectura de guión o en el mejor de los casos un simulacro de la puesta en escena, donde se ensayan aspectos técnicos y de caracterización, pero lo artístico: el carácter del personaje, su interacción natural con los otros personajes, la sustancia, se dejan de lado. Este importante proceso de ensayos no se realiza argumentando falta de tiempo, en realidad este tiempo que se pretende ahorrar, al final es cobrado en el rodaje, o en el metraje, en forma de actuaciones vacías, sin dimensión. Una ley de la mecánica dice: “Lo que se gana en una cosa se pierde en otra” y se aplica muy bien en el audiovisual. Así que una recomendación para los realizadores es que incluyan ese tiempo de ensayos pre-rodaje en los requerimientos de la producción. Creo que no se van a arrepentir, al final terminarán ahorrando tiempo y material en el rodaje y las actuaciones serán aceptables como mínimo.

Si se pudiera, es bueno contar un director de actores, un coach, para ocuparse de los aspectos meramente técnicos y de proyección de los interpretes, sobre todo si se trabaja con actores naturales, y el director no tiene experiencia como actor o dirigiendo actores.

Un buen realizador debe conocer los personajes de su película, sus manías, su carácter, debe conocerlos tanto o mejor que el propio actor. El actor solo conoce su personaje, el director debe conocer todos sus personajes, los protagonistas de su creación artística.

El trabajo del director es hacerse dueño de la idea del guionista y mejorarla aportarle cosas. El trabajo del actor es adueñarse de la idea del guionista y del director sobre su personaje, mejorarla, aportarle cosas, con su técnica, con su mente y con su intuición. Esa es una excelente dinámica de creación.

El rodaje: Como dice la realizadora mexicana María Novarro, a esta altura, si has escogido bien tu equipo de trabajo; tus técnicos; tus actores, todo va sobre ruedas, es muy difícil fallar. Si te equivocaste en el casting, es muy difícil que te vaya bien.

Bueno, supongamos que se hizo un buen proceso de casting, se tomó tiempo prudencial para ensayar con los actores, entonces a está altura lo mínimo que puede suceder es el éxito del proyecto.

En este punto es bueno que el actor tenga acceso a parte del guión técnico, para que conozca el tipo de planos, los emplazamientos de cámara y los movimientos. Esto le permitirá hacer un repaso mental de su trabajo y acoplarlo con los requerimientos técnicos de grabación o filmación, lo que le permitirá proyectar mejor su personaje, ahorrar energía y dirigir su concentración para acentuar lo que se debe acentuar. Para esto obviamente el actor debería conocer de su oficio, saber al menos lo básico del lenguaje audiovisual, esto es algo en que los actores y actrices nacionales debemos trabajar.

Generalmente cuando se empieza el rodaje, es la primera vez que el actor estará ahí, muy pocas veces se cuenta con la dicha de ensayar en la misma locación del rodaje. Es importante que el realizador le permita a sus actores reconocer el espacio y si es posible ensayar en él previo a la grabación, sin tener que preocuparse por aspectos técnicos como: el encuadre, el movimiento, la luz, etcétera. Esto le permitirá al actor conocer su nuevo espacio de trabajo y crear para si mismo, para sus compañeros de escena, para el realizador y para el director de fotografía: imágenes y sensaciones nuevas, que pueden llegar a aportar mejoras en el plan de trabajo o la calidad artística de la escena (El delicioso encanto de la intuición) a veces es muy bueno grabar estos ensayos, pero repito: sin que el actor tenga que preocuparse por cuestiones técnicas.

Es cierto que en una producción se tiene que trabajar con horario rígido, el death line está siempre detrás como una sombra negra amenazante y cuando la sombra desaparece por segundos, entra en su lugar el productor a recordar constantemente la carrera contra el tiempo. Esto es así en todo el mundo, pero si se saca el tiempo necesario para trabajar los personajes con los actores, que son parte fundamental del producto final, el resultado siempre será exitoso.

Por último, me gustaría compartir parte del consejo que da el cineasta Robert McKee, a los guionistas al momento de trabajar con actores y actrices. Este consejo bien se puede aplicar al trabajo de dirección de actores por parte del realizador:

Hay que darle libertad al actor: Hay que darle al actor la máxima oportunidad de usar su creatividad; no llenar la página con constantes descripciones respecto a conductas, matices en los gestos, en los tonos de voz:

“Bob se recarga en el atril, cruzando una pierna sobre la otra, con uno de sus brazos en jarra. Mira sobre las cabezas de los estudiantes, arqueando una ceja pensativamente:
Bob: (Flemáticamente) Bla, bla, bla, bla…”

La reacción de un actor respecto de un guión saturado con ese tipo de detalles es tirarlo al cesto de la basura, pensando: “No quieren un actor, quieren un muñeco” O si el actor acepta el papel, tomará un lápiz de color rojo y tachará todas esas tonterías. Los detalles que mencioné carecen de sentido. Un actor quiere saber: “¿Qué quiero? ¿Por qué lo quiero? ¿Cómo le hago para obtenerlo? ¿Qué me detiene? ¿Cuáles son las consecuencias? El actor le da vida a un personaje desde el subtexto: el deseo enfrentando fuerzas antagónicas. Frente a la cámara dirá y hará lo que se requiere en la escena, pero la caracterización debe ser su trabajo tanto como el del escritor es escribir o del director dirigir.

Otro ejemplo:

Bárbara:(Ofreciendo una taza a Jack) ¿Quieres esta taza de café, querido?

El público ve que se trata de una taza de café; el gesto dice: “¿Querrías esto?”; la actriz está sintiendo lo de “querido” Sabiendo que menos significa más, la actriz se volverá a su director y le dirá: “Larry, ¿Tengo qué decir:” ¿Quieres esta taza de café, querido? Digo, le estoy ofreciendo la maldita taza, ¿No? ¿No podríamos quitar esa línea?” La línea se quita, la actriz ilumina la pantalla al silenciosamente ofrecerle al hombre una taza de café, mientras el guionista se encoleriza: “Están haciendo pedazos mis diálogos” Robert McKee

Hasta la próxima…

Fuente:

Revista: Estudios Cinematográficos #28

Talent Campus Guadalajara 2010

El pasado mes de marzo tuve el placer de asistir al Talent Campus Guadalajara 2010. Este evento sucede en el marco del festival internacional de cine de Guadalajara (FICG) y este año fue la muestra número 25.

El Talent Campus Guadalajara (TCG) es el segundo encuentro intensivo de actividades (Clases magistrales, talleres, proyección de películas, citas con expertos, etcétera) para estudiantes avanzados y profesionales en formación de México, Centro América y el Caribe.

TCG se realiza en cooperación con el Berlinale Talent Campus y el Goethe Institut Guadalajara. El lema monitor de este año fue: Persuasión y seducción, el arte de contar.

Estudiantes del Talent Campus

Como actor debo decir que fue una experiencia grandiosa desde todo punto de vista, trabajar con actores y actrices de primer nivel, recibir clases con maestros y maestras del cine mundial, aprender directamente de grandes realizadores y realizadoras, y tener el privilegio de grabar secuencias con ellos. Todo lo anterior te marca como actor y te permite tener un ángulo de visión diferente, además tenés la oportunidad de hacer contactos con talentosos cineastas de toda latinoamérica.

Este post lo quiero dedicar simplemente a hacerle publicidad al Talent Campus, con el objetivo de que más gente del medio dedicada a la actuación se anime a participar para el próximo año, y tengan la oportunidad de tener una magnífica experiencia profesional en el arte del cine.

Todas las actividades a las que asistí fueron de un alto nivel profesional, me quiero centrar en las referentes a la actuación y dirección de actores.

Amor a primera vista


Pablo Cruz y Diego Luna

Este fue el título del conversatorio entre Diego Luna y Pablo Cruz. La conversación giró en torno a la elección de actores para una película y la responsabilidad compartida entre director y productor. El momento crucial en que un personaje escrito se vuelve realidad y la crítica sentencia de elegir el rostro y cuerpo que lo representará.

Otro punto importante y que muchas veces los actores y actrices no tomamos en cuenta (Al menos en Costa rica) es la trascendental decisión de un actor o actriz al aceptar o rechazar un personaje. Al fin y al cabo un personaje es una obra de arte y nosotros como artistas al aceptar un personaje debemos ir con todo a realizar nuestra obra, un personaje debería inspirarte, sacar lo mejor y lo peor de vos. Así como un artista plástico; un músico; un escritor, trabajan con los temas que les apasionan, así también, los actores debemos trabajar con personajes que nos apasionen y tener el coraje para rechazar los que no nos llenan esa parte artística.

Diego Luna habló sobre la importancia del casting, la desición que toma el director al escoger su actor determinará en gran medida el éxito o el fracaso del proyecto, por lo tanto hacer casting es todo un arte y no lo que generalmente nos ponen a hacer aquí: salude, perfil, perfil, frente, diga algo, bla, bla, bla. El actor tiene derecho a pedir información sobre su personaje, el actor es un artista, un ser humano, no una herramienta o un muñequito del story board.

El deleite de ser otro


Kathrin Waligura y Alfredo Vargas

La talentosa actriz alemana Kathrin Waligura, impartío un taller de actuación, utilizando la técnica llamada "SourceTuning" desarrollada por el entrenador de actores Jens Roth. Utilizando esta técnica podés sintonizarte con tu personaje desde un nivel energético interior, es bastante interesante y requiere mucho entrenamiento físico y manejo de la energía.

La única manera de explicar la técnica y comprenderla es haciendo el taller, por este motivo me encantaría poder reproducirlo acá en el país, así que si hay diez personas interesadas en hacer el taller nos ponemos de acuerdo y lo hacemos, el único requisito es tener alguna experiencia previa y conocimientos como actor o actriz. Igualmente me encantaría hacer un taller un poco más largo con personas que tengan muy poca experiencia o que estén interesadas en practicar la actuación, si me escriben en un comentario diciendo que les gustaría llevar un taller de actuación básico, en cuanto hayan unas 15 personas interesadas hacemos un taller de introducción al juego escénico.

Actuando, Actuando, Actuando


Matt Dillon

Matt Dillon fue otro de los expertos con los que tuve la oportunidad de compartir y recibir una Master Class. Él centró su clase maestra en su experiencia y proceso de creación al representar tantos personajes distintos. Cómo afecta su proceso de artista el hecho de pertenecer al "Star System" y cual fue su experiencia al trabajar como actor de teatro. Igual que Diego Luna, señaló la importancia de aceptar un papel y enamorarte de tu personaje, debe existir compromiso total con el personaje, dedicarle horas de ensayo y trabajar de la mano con el realizador de la película.

Bueno, aparte de las tres experiencias anteriores, hubo mucho más: un taller de dirección de actores con el director alemán Rainer Simon, con el cual tuve el honor de grabar una secuencia de Pedro Páramo, espero más adelante tener el video para poder mostrarlo por aquí. Una clase maestra con Todd Solondz, sobre su peculiar manera de contar historias crudas con ironía y naturalidad. Otra master class con el reconocido director Pedro Costa. Una conversación con la realizadora María Novarro y su director de fotografía, el talentoso Gerardo Barroso.

En fín, fue una aventura provechosa y enriquecedora, espero que el próximo año se animen bastantes ticos y ticas y apliquen para ir al Talent Campus 2011, para de esta manera contribuir con el desarrollo del cine en nuestro país, que requiere de actores y actrices que conozcan el oficio y vayan hasta las últimas consecuencias en busca de un lenguaje cinematográfico propio.

Les recuerdo el ofrecimiento de los talleres de actuación y espero sus comentarios. Hasta la próxima y nos vemos en el Talent Campus 2011, Dios mediante.

Les dejo el enlace del Talent Campus para que le echen un ojo :)
http://www.talentcampusguadalajara.com.mx/web/



Grabando una secuencia de Pedro Páramo
en la foto: Pia Quien; Iván Porras; Álvaro Flores y Alfredo Vargas.

Fuente:
Talent Campus Guadalajara 2010

Video cortesía de:
Muralcom
http://www.youtube.com/user/Muralcom


Diego Luna en el Talent Campus 2010

Entrenamiento básico para el actor y la actriz (Parte final)

“Un personaje no es un ser humano, como la Venus de Milo no es una mujer verdadera. Un personaje es una obra de arte, una metáfora de la naturaleza humana. Nos relacionamos con los personajes como si fueran verdaderos, pero son superiores a la realidad” Robert McKee.

Durante las diferentes entregas de este artículo, se han tocado puntos básicos del entrenamiento, que todo actor y actriz que quiera ser profesional debe conocer, practicar y dominar, y como el arte se encuentra en el toque más tenue; en lo simple y básico, pues es de suma importancia conocer y dominar la técnica básica de la interpretación.

Quiero eso sí, hacer hincapié en que no se debe caer en el tecnicismo “La técnica por la técnica misma” desgraciadamente incurrir en esto hace que un actor de talento se convierta en esclavo de su técnica y no llegue a expresar sus verdaderas posibilidades de artista. La técnica es buena en la medida en que sirva para darte libertad en la escena. Para esto se hacen ejercicios diarios, para aprender y dominar la técnica, pero una vez en la escena o locación, la técnica pasa a ser simplemente un reflejo, una conducta subjetiva, no hay que pensar en ella para nada. En todo caso es mejor ver a un actor sin técnica, pero reaccionando de una manera viva y espontánea ante las circunstancias de la escena, que a un actor haciendo alarde de su técnica, de su voz y de sus bellos movimientos, pero de una manera mecánica, fija, donde la vida está ausente, o sea actuando solo con técnica, donde la técnica toma el protagonismo de la escena. Pero bueno yo creo que esos actores y actrices no existen ya, y si existieran aún, están prontos a desaparecer.

Sí se ha seguido el entrenamiento propuesto en este artículo, al llegar a este punto deberíamos haber estado entrenando durante diez meses los diferentes aspectos que un actor y actriz debe manejar. Hemos ejercitado nuestro cuerpo; espoleado nuestros sentimientos; agilizado nuestra mente; trabajado la voz y todo el aparato fonador. En suma hemos expandido nuestros límites como artistas y seres humanos, pero mejor aún, hemos descubierto nuestras debilidades, y tal vez tendremos más dudas que al iniciar el entrenamiento, eso es magnífico, porque la vida de un artista es una eterna búsqueda de conciencia, de expansión de límites y de desafiar el vacío y el desequilibrio que produce esta búsqueda.

Para estos dos meses finales mi propuesta es la siguiente: ya tenemos un conocimiento más sólido de nuestro cuerpo externo e interno, ahora a esta altura sería bueno que cada uno y cada una de ustedes empezaran a experimentar con los conocimientos adquiridos, desarrollar su propia técnica. La persona que mejor conoce a cada uno es uno mismo, por lo tanto es importante que yo sea el maestro y arquitecto de mi vida como artista y como ser humano ¿Hasta dónde quiero llegar? ¿Cuáles son mis límites? ¿Qué pretendo del arte que hay en mí? ¿Cuánto estoy dispuesto a dar? Esas son preguntas que solo se puede contestar uno mismo, nadie más lo puede hacer, nadie más debe tomar esa responsabilidad.

Entonces en estos dos meses iniciaremos una búsqueda de nuestras necesidades como artistas. Les recuerdo que este es un trabajo que se hace diariamente, y perfectamente paralelo a esto se puede y se debe llevar formación con maestras y maestros experimentados en la actuación, que nos ayudarán en el aprendizaje del oficio, y bajo su ojo experto se descubrirán deficiencias que nosotros aún no estamos preparados para racionalizar.

Bueno un nuevo ejercicio para estos dos meses es el siguiente:

Ejercicio 1) Sentado en una posición cómoda sobre el piso, con la espalda recta y de fondo alguna música instrumental, vamos a cerrar los ojos y durante 5 minutos traten de no pensar en nada (Es muy importante estar quietos, no mover nada externamente, si me pica algo me aguanto, esto nos permitirá tener dominio sobre nuestro cuerpo físico) ok, cada vez que un pensamiento quiera colarse en nuestra mente lo bloqueamos inmediatamente y volvemos a cero. Posiblemente los pensamientos nos van a bombardear, entonces yo voy a estar bloqueando pensamientos constantemente. Luego de hacer este ejercicio durante unas dos semanas van a ver como empiezan a tener dominio sobre su mente, como debería ser naturalmente. También, van a descubrir como somos bombardeados y bloqueados por pensamientos parásitos, si esto ocurre en un estado de alerta como el que tenemos ahora ¿Qué pasará cuando no estamos alerta? Por ejemplo en la escena. Ese montón de pensamientos parásitos bloquean nuestra mente constantemente y nos impiden ser sensibles a lo que sucede en la escena.
En la segunda parte de este ejercicio, que durará 10 minutos, vamos a sensibilizar nuestro instrumento, nos concentraremos en sentir cada parte de nuestro cuerpo, su tensión, temperatura, posición, cualquier impulso o sensación que merezca ser notada. Una vez hecho esto voy a trabajar sobre mi energía ¿Dónde es más fuerte mi energía? ¿Qué quiere esa energía ahí? Luego sobre mi estado de ánimo ¿Cómo me siento? ¿Por qué me siento así? ¿Qué produjo qué me sienta de esta manera? Luego me concentro en las sensaciones externas ¿Qué escucho? ¿Qué produce ese ruido en mí? ¿A qué huele? ¿Cómo está el clima? ¿Qué produce esa brisa sobre mi rostro? ¿Qué estará pasando en la calle del vecindario? Trato de descubrirlo a partir de las sensaciones o estímulos externos. Luego descanso un minuto, vuelvo poco a poco a mi estado regular de conciencia, abro los ojos, estiro mi cuerpo y listo, continuo con mi entrenamiento.

Ejercicio 2) Rutina física de calentamiento de 15 minutos al menos.
Acá, ya cada uno y cada una de ustedes conoce su necesidad de entrenamiento corporal, así que ya deberían haber diseñado su propia rutina, lo importante es que tenga una duración de por lo menos 15 minutos y que comprenda las 4 fases: calentamiento; estiramiento; musculación y liberación de energía. Así que si no se han diseñado una rutina, este es el momento para hacerlo.

Ejercicio 3) Trabajo de técnica
Igual que en el ejercicio anterior, cada uno y cada una de ustedes deben diseñarse su propia rutina. La recomendación para hacerlo es la siguiente, Todos y todas tenemos puntos fuertes y puntos débiles, entonces escojan ejercicios que ustedes dominen para la primera parte de su entrenamiento técnico (30 minutos) de esta manera perfeccionaran sus fortalezas, para la segunda parte (30 minutos) seleccionen ejercicios que les ayuden a mejorar sus deficiencias o puntos débiles, traten de que sean los que más les cuestan, esos que les da miedo hacer en público, porque de esta manera ampliaran sus límites y enfrentarán sus miedos. Trabajar al borde del desequilibrio, del miedo, eso te hace crecer como artista. Entonces, si me da vergüenza cantar, pues escojo ejercicios de canto y si es posible los hago delante de algún grupo de personas. Je, je, a veces a hay que ser un poco masoquista.
Si seguimos la recomendación anterior, perfeccionaremos nuestras virtudes, que es muy bueno, pero ampliaremos nuestros límites trabajando sobre nuestras deficiencias, que es mejor.

Otras recomendaciones

Es importante recordar trabajar a partir de nosotros mismos, de lo que somos y no seguir estereotipos o clichés de actores o de actuaciones, el verdadero artista trabaja desde su interior y creo que esa es la única manera real de creación que existe.

“En un actor es muy importante ser físicamente llamativo, ser una imagen del mundo; deben existir los actores pequeños y gordos, los altos y esbeltos, los que se deslizan con desenvoltura y los que se mueven pesadamente. Esto es necesario por que es la vida lo que mostramos, tanto la interior como la externa, inseparables una de la otra. Pero es muy importante que el cuerpo gordo y torpe o el joven y ágil tengan una sensibilidad igualmente desarrollada” Peter Brook, La puerta abierta.

Una buena interpretación no es el resultado de una composición mental previa, si no de haber creado un vacío libre de miedos en nuestro interior.

Al crear un personaje estamos creando una obra de arte “nuestra obra de arte” por lo tanto es un proceso que involucra todo nuestro ser conciente, subconsciente, objetivo y subjetivo. Es un proceso de crear vida, entonces estamos ante un gran privilegio y una gran responsabilidad.

Es necesario tomar en cuenta que la actuación es un arte temporal, que sucede en el tiempo constantemente, como el cine, el teatro, la danza y la música. Al contrario de las artes plásticas y literarias que tienen un inicio y un fin bien definidos. La actuación y más específicamente el arte de construir un personaje de dotarlo de vida, se sucede en el tiempo, es infinito y constante, por lo tanto responde a un proceso de demolición más que de construcción. No es como construir un edificio, es más bien botar ese edificio, construirlo y volverlo a botar, en esa deconstrucción constante nos encontramos con el personaje, lo conocemos por un momento y al siguiente instante cambia, se reinventa y así hasta el infinito.

Con esto finalizo el artículo sobre entrenamiento básico para el actor y la actriz, sería muy bueno tener sus comentarios sobre la efectividad de los ejercicios y o sensaciones que hayan quedado al realizarlos. Igualmente son aceptadísimas las sugerencias y críticas que ayuden a mejorar este material, que al fin y al cabo, su objetivo último es ayudar en el crecimiento que podamos tener como interpretes.


“El espacio se llena de auténtica creatividad cuando uno no busca seguridad. Es necesario observar y cuestionar los elementos que dan seguridad. Un actor “mecánico” siempre hace lo mismo, así que la relación que establece con sus compañeros no puede ser sutil ni sensible. Cuando contempla o escucha a los otros intérpretes, solo está fingiendo. Se oculta en su concha “mecánica” por que le da seguridad” Peter Brook; El espacio vacío.

Fuentes:

La puerta abierta, Peter Brook

El espacio Vacio, Peter Brook

Deconstrucción del personaje; Estudios Cienematográficos; número 28.

Cortometraje: Café Negro

Entrenamiento básico del actor y la actriz, meses 9 y 10

"Es necesario estudiar metódicamente la emisión de las vocales, la articulación de las consonantes, la formación de las sílabas y la pronunciación de las palabras. Hay que aprender a decir las frases, a hacer las pausas necesarias y corregir, lo que es más difícil, las faltas” Gorge Canuyt; La Voz Hablada.

En estos dos meses continuaremos trabajando sobre la voz; el aparato fonador y todo lo que involucra. Todo actor y actriz profesional debe saber utilizar su voz, muchas veces el buen uso de la voz hace la diferencia en que te den un papel o no. Igual como se ha mencionado en post anteriores, lo importante es la naturalidad, utilizar los elementos que tengo, que la naturaleza me ha dado, al máximo posible, pero sin caer en el tecnicismo “La técnica por la técnica”.
Constantemente vemos actores y actrices con una excelente técnica vocal, pero su técnica mata su espontaneidad y lo que sale de sus bocas son sonidos armónicos, pero desgraciadamente muertos, artificiales, que huelen y saben feo.
Lo anterior se da sobre todo en el teatro, pero es aún más grotesco cuando lo vemos en el cine o la televisión. Busquemos nuestra propia voz, perfeccionemos nuestras habilidades y corrijamos los defectos, pero siempre desde el interior, buscando la vida misma, la naturalidad, y que la técnica sea solo un medio para llegar, y cuando estemos en escena olvidemos ese medio y dediquémonos a SER.
Nunca copie o permita que le hagan copiar una voz o una determinada dicción o forma de decir un texto, gracias a Dios la vida se basa en la abundancia, así que hay infinitas maneras de decir un texto, sin ser una mejor que la otra.

Dicción

El buen manejo de la dicción constituye una herramienta fundamental para que el actor pueda comunicar. La dicción ha de tener como base el estudio de la fonética, particularmente el estudio del punto y modo de articular vocales y consonantes, lo que nos remite al cómo decir las palabras; aunado a esto, el actor debe desarrollar la musculatura específica encargada de la vocalización y la articulación.
En un proceso de entrenamiento, el actor debe aprender la técnica del “buen decir” independientemente de la aplicación, sus conocimientos de dicción, han de adaptarse sobre la escena a los personajes concretos que encarne, así como al género y al estilo del montaje; corto o largo metraje.

El actor debe saber hablar.

Ejercicios:
1) Para ubicar la calidad de su dicción, grabe un texto literario. Escúchese y detecte sus fallas

2) Duración de 3 a 4 minutos (Material de apoyo: Textos literarios y un lápiz) Lea un texto en voz alta sosteniendo un lápiz entre sus dientes.

Recomendaciones: Antes de iniciar los ejercicios se debe estar relajado.
Haga un poco de gimnasia facial (Gestos) antes de iniciar con los ejercicios de dicción.


Tiempo-Ritmo

El texto dramático, por su estructura gramatical, posee de por sí un ritmo y un tempo propios que se deben desentrañar para trasladarlos y transformarlos en el ritmo global de la puesta en escena, el cual puede ser distinto a los tiempo-ritmos de cada escena y de cada personaje.
El entender pues el valor pausal de los signos de puntuación sería el primer peldaño para el manejo del tempo-ritmo, de aquí se puede acceder al manejo de las pausas lógicas y finalmente, de acuerdo con Stanislavsky, a las pausas psicológicas.
El manejo del tiempo-ritmo abarca desde la ubicación del ritmo respiratorio del personaje; de su velocidad en el habla; de las emociones que maneja en situaciones específicas hasta, por supuesto, el ataque vocal o intercambio verbal de las réplicas. Aspectos todos en los que el actor debe entrenarse constantemente.

Ejercicios:
1) Para sentir el ritmo: (En parejas o colectivo. Realizarlo durante 10 minutos cada vez) Acoplar el movimiento corporal al ritmo que alguien marque con sus manos o mejor aún con algún instrumento de percusión; simultáneamente diga algunos fonemas. Ejemplo: Mecha; Vino; Añejo; Lupa; Llanura; Par; Rol; Red, Rama.

2) Para percibir y determinar el tiempo del habla: (Individual de 3 a 4 minutos cada vez)
a) Diga las vocales con tiempo lento, medio y acelerado.
b) Diga números en forma progresiva, manejando un tiempo de lento a medio; de medio a acelerado o de lento a acelerado y viceversa.
c) Lea o diga fonemas con distintos tiempos. Siempre debe entenderse lo que dice.

Recomendaciones: Sería bueno siempre grabar sus ejercicios en audio o mejor aún en video para poder revisar personalmente su ejecución; resultados y avances.
Cuide que en el habla acelerada se entienda lo que dice; esté atento a su dicción.


Entonación- matiz

En cualquier discurso existe un contenido formal; esto es lo que se dice, pero también, de manera definitiva, se encuentra el objetivo o propósito de comunicación de quien lo dice, en otras palabras el como se dice.
De acuerdo con el Diccionario de la Real Academia, la entonación se define como: La inflexión según el sentido de lo que se dice, la emoción que se expresa y el estilo o acento en que se habla. Inflexiones que dependen de cada lengua, se desarrollan dentro de zonas musicales de extensión definida proporcionando precisamente, la “musicalidad” o “melodía” propia de cada idioma y, dentro de estos, los acentos particulares de territorios determinados.
El sentido de lo que se quiere decir, se vincula al análisis del texto que se interpreta y del contexto específico donde se interpreta. La emoción que se expresa define de manera inequívoca el objetivo de quien lo dice y su estado de ánimo.
Para una misma frase podemos encontrar un sinnúmero de variaciones que corresponden a estados de ánimo, personalidades o temperamentos distintos. De aquí que la entonación se vincule también con la línea emotiva del personaje concreto en sus circunstancias.

Ejercicios:
1) (3 minutos) Haga una lista de 4 palabras y otra de 4 emociones o sentimientos. Diga cada palabra en cada una de las emociones seleccionadas. Ejemplo: La palabra Vámonos, interpretada en forma suplicante, imperativa, desolada y en forma alegre.

2) (Material de apoyo: Trabalenguas) Elija un trabalenguas y matícelo con cada una de las emociones o sentimientos del ejercicio anterior.

Recomendaciones: Si se trabaja en grupo, es importante hacerlo en confianza para evitar la inhibición de quienes realizan los ejercicios.
Construya para cada ejercicio la o las imágenes mentales necesarias para la respectiva interpretación, busqué siempre su base o energía interior, piense no racionalice.
Algunos ejercicios requieren de naturalidad; otros del estereotipo y hasta de la caricatura, hágalo según la situación y o su deseo pero siempre tenga presente la diferencia entre categorías y o estilos. Actuar es pensar y pensar es actuar.
En donde usted lo sienta o requiera, realice libremente los movimientos o desplazamientos que le ayuden a sustentar su ejercicio.
Grabe todos sus ejercicios para que pueda revisar su trabajo.

Resistencia vocal
Es un hecho innegable que los medios de expresión del actor están conformados por su voz y su cuerpo, por lo que es ideal que ambos posean un entrenamiento que les posibilite expresar las emociones de los personajes a interpretar. Sin embargo, es muy frecuente observar actores con un manejo corporal virtuoso, pero con una voz deficientemente manejada; el caso contrario tampoco es extraño. Es conveniente que voz y cuerpo se manejen de manera conjunta, comprendiendo que para hablar durante largo tiempo, se requiere entrenamiento.
La resistencia vocal es pues el acoplamiento de un trabajo físico de moderado a intenso, a un manejo vocal claro, proyectado sin esfuerzo aparente. Es pues deseable que para realizar los ejercicios de resistencia vocal, además de una salud física óptima, se manejen a buen nivel los conceptos y ejercicios de respiración, relajación, resonancia, apoyo, proyección y volumen de manera básica.

Ejercicios:
1) (5 minutos) a) Camine tranquila y libremente mientras dice en volumen bajo, series completas de vocales. Realizando la misma acción física emita cada vocal alargando el sonido.
b) Camine rápidamente y diga fonemas en volumen bajo.

2) (5 minutos, material de apoyo: Trabalenguas y cuerda para saltar) a) Sosteniendo un mismo ritmo, salte la cuerda en un mismo sitio, por espacio de 3 minutos, deténgase y diga trabalenguas en volumen medio por un espacio de 2 minutos.
b) Repita el inciso anterior, pero ahora al saltar la cuerda desplácese y varíe la velocidad.

Recomendaciones: Siempre se debe realizar un calentamiento de al menos 10 minutos, antes de realizar cualquier ejercicio de resistencia vocal.
Acople siempre su respiración al ejercicio que esté trabajando, recupere el ritmo respiratorio normal después de cada ejercicio y nunca empiece otro, mientras no realice esta operación.
En aquellos ejercicios donde se requieran trabalenguas o textos, estos deben ser memorizados.
Trabaje siempre en un espacio adecuado, con espacio suficiente.


Creatividad vocal

El trabajo escénico ya sea en el teatro; cine o televisión, es un trabajo de representación, de juego, es un trastrocamiento y reinvención de la realidad; en esto sentido los que hacen el juego escénico en cualquiera de sus modalidades, parten de si mismos en busca de “otros” varios y posibles.
Es entonces evidente que estamos ante la presencia de un trabajo que requiere creatividad y búsqueda constantes. Para ello, el actor debe entrenar y mantenerse en la práctica permanente de la exploración de las posibilidades de sus instrumentos: voz y cuerpo.
Como en toda profesión, en la actuación se parte de ciertas características y capacidades que hay que disciplinar, entrenar, potenciar y ejercer para ser un actor o actriz profesional. O el que piense que “el actor nace” que le pregunte a un químico, a un médico, a un pianista, a un pintor, si solo “nació” así, o tuvo que trabajar para ejercer su oficio.
El uso cotidiano de un idioma o lengua constriñe el manejo y la exploración de nuestras posibilidades vocales, ya que los sonidos, las entonaciones, la colocación, están cifrados y limitados a un determinado número de fonemas. Evidentemente el hablar o estudiar varios idiomas implica manejar el aparato fonador de una manera específica y da muchas más posibilidades de fonación.
El generar nuevas posibilidades de emisión vocal es el propósito de la creatividad vocal. Indagar en la infinidad de efectos; ruidos; sonidos que cotidianamente no emitimos, para así descubrir y desarrollar capacidades de nuestra voz.
La creatividad vocal se nutre pues de dos vertientes: La reproducción de sonidos que encontramos en nuestro medio, ya sean mecánicos, de animales de la naturaleza, de la actividad humana, etcétera, y por otra parte el de inventar, fantasear posibilidades vocales nunca antes escuchadas; asignar sonidos a objetos, medios, criaturas que “normalmente” no poseen sonido alguno, o ni siquiera existen de manera tangible.
La creatividad vocal amplifica nuestra capacidad de expresión, pues involucra de manera definitiva conocimientos, sentimientos, así como técnica vocal, en el proceso de exploración. Las únicas limitaciones consistirían en la propia inventiva del actor o actriz, su información y su formación.

Ejercicios:
1) (3 minutos) Reproduzca sonidos de la naturaleza como: Oleaje; viento; lluvia; rayos; caída de un meteorito, etc.
2) (5 minutos, en parejas) Represente situaciones utilizando una sola palabra o número: declaración de amor, diciendo solamente la palabra Chivo (Por ejemplo) un pleito entre amigos, pronunciando solamente la palabra “Que” o el número “Tres”; despídanse emitiendo exclusivamente números.

Recomendación: Olvídese de la timidez o del miedo a hacer el ridículo. No se autocensure.


Liberación:

Debido a la naturaleza del entrenamiento vocal que exige concentración, disciplina, esfuerzo físico, así como el manejo de distintas emociones, es recomendable la práctica de ejercicios de liberación para finalizar cada sesión de trabajo.
Se denominan ejercicios de liberación, porque tienen la función de soltar o liberar energía residual, como remate de la tarea vocal, combinando de manera predominante aspectos de dicción y volumen en coordinación con un trabajo físico ligero y relajante. Así los ejercicios de liberación sirven como conclusión de la sesión de entrenamiento, al tiempo que predisponen para el inicio de una actividad distinta con buen ánimo.

Ejercicios:
1) (3 series de 16 tiempos, ejercicio colectivo) Con un mismo frente, tomarse por la cintura o por los hombros, entrelazados, uno al lado del otro, y simulando el paso del “Can-can” o de “Chorus line” eleven la pierna derecha con dirección hacia la izquierda, bájenla, alternen el movimiento con la pierna izquierda y así sucesivamente, hasta completar las 3 series indicadas, cuente la primera serie con volumen bajo, la segunda con volumen medio y la tercera con volumen alto; marquen al acento y digan el número cuando la pierna se encuentre en el punto mas alto.

2) (Individual, 3 veces) Cante una canción de su elección “qué sea alegre” utilizando un volumen progresivo de medio a alto; desplazándose libremente por el espacio, permaneciendo en el mismo sitio o interrelacionándose, según su gusto.

Recomendación: Realice el ejercicio seleccionado de manera continua y acelerada, échele ganas.


“La parte mas importante del entrenamiento vocal es la práctica de los ejercicios, ya que al hacerlo en forma regular, se incrementa la sensibilidad física hacia la voz y se obtiene la libertad necesaria para experimentar con la resonancia que se pueda tener. Los ejercicios proporcionan una conciencia nueva de la propia voz.
Los ejercicios vocales no deben tomarse como un reto de capacidad física, sino como una preparación que permita responder instintivamente a cualquier situación que se presente en el uso de la voz, para ello el actor debe conservar un estado de alerta que le permita estar libre para ser parte de la acción, la cual es nueva en todo momento. En otras palabras, no es necesario salir de la situación para reflexionar y pensar ¿Cómo puedo hacer esto? Simplemente se hace en el momento en que llega la acción, porque la voz es muy libre. En este sentido los ejercicios no debieran hacernos más técnicos, sino más libres. También los ejercicios nos ayudan a conocer algo más de nosotros mismos y de nuestra actitud hacia la actuación” Cicely Berry; La Voz Y El Actor

Si necesitan más ejercicios para la voz, solamente escríbanme y con gusto les estaré enviando algunos más que tengo.

Hasta el próximo post, bendiciones y éxitos para ustedes.

Fuentes:

Revista Máscara; La voz
La voz y el actor; Cicely Berry
La voz hablada; Gorge Canuyt
Voz y manejo tonal, Sotoconil
La voz en la construcción del personaje; Stanislavski
Entrenamiento vocal; Barba
Voz y movimiento; Selden
La sustentación de la voz; McClosky
Voz y entonación; Navarro Tomás
La voz; Grotowski

Entrenamiento básico para el actor y la actriz (Meses 7 y 8)

La voz teoría y práctica

A partir de este mes y los subsiguientes nos vamos a dedicar a mejorar nuestra voz y al mejorarla, directamente vamos a incrementar la expresividad total de nuestro cuerpo. Conjuntamente durante estos dos meses incursionaremos en la teoría y la práctica, aprenderemos de los elementos básicos necesarios a dominar para mejorar nuestra expresión vocal y simultáneamente con cada nuevo elemento estudiado, realizaremos un par de ejercicios para perfeccionarlo y fijarlo en nuestra memoria corporal.

“La mayoría de la gente habla mal, abusa de su órgano vocal y fatiga su voz porque no ha aprendido a servirse de ella” George Canuyt; La voz hablada.

Relajación:

El trabajo vocal, así como el trabajo corporal del actor, demandan esfuerzos específicos que requieren de su concentración y control. Para llevar a cabo esto, es indispensable partir de un estado de relajación, que elimine las tensiones provocadas por las actividades cotidianas.
Dependiendo de cada persona, de su temperamento; complexión; edad; estado anímico; etcétera, habremos de encontrar patrones distintos de tensión: dientes apretados; hombros elevados; glúteos apretados; ceño fruncido; abdomen contraído; tartamudeo o ausencia de la voz; dedos de los pies arqueados; respiración alterada; etcétera; etcétera; etcétera, de aquí la dificultad de sugerir una rutina única de relajación, que sea eficiente para cualquiera.
Partiendo de este hecho, el actor que se entrena en relajación, debe de aprender, paralelamente, a detectar sus tensiones personales, a reconocer sus manifestaciones (en ocasiones imperceptibles exteriormente) para poder eliminarlas; tarea esta, que en un principio es bastante difícil, pero cuya habilidad se desarrolla con la práctica.
La relajación consiste pues en dejar atrás un estado de esfuerzo (físico o psíquico) y pasar a uno de laxitud que reestablece nuestro equilibrio, posibilitando una actitud de concentración mental y física. Mientras que la tensión nos encadena y nos atrapa en nuestro propio cuerpo, la relajación nos brinda la libertad para gobernarlo conscientemente.

Ejercicios: 1) 5 minutos. Tiéndase boca arriba cómodamente y escuche grabaciones de música, respire y expire profundamente, construya simultáneamente una imagen en donde su cuerpo se integra a lo qué está escuchando.
2) 5 minutos. Recostado boca arriba y acompañado de música suave, ejecute movimientos libres en cámara lenta, siempre respirando profundamente y cómodamente, bostece ampliamente, haga ruiditos suaves y vuelva lentamente a qué su espalda se apoye totalmente sobre el suelo.

Recuerde siempre utilizar ropa cómoda (Ropa de ensayo) ubicarse en un lugar ventilado y tranquilo, ir a su propio ritmo; pero siempre dando el máximo, cada vez que realice cualquier rutina de ejercicios. Al contrario de los meses anteriores, a partir de ahora y hasta qué se indique lo contrario, voy a empezar con estos ejercicios y luego voy a finalizar con la rutina de entrenamiento con la que iniciábamos los meses anteriores. Siempre trabajar de menos a más.

Respiración:

Respirar es un acto involuntario y automático, en el que usualmente no se reflexiona y no se tiene la conciencia de educar, sin embargo para algunas actividades como cantar; actuar; la práctica deportiva; entre otras, saber respirar a voluntad es básico.
“Si hay aire hay vida” El entrenamiento de la respiración consiste en tomar conciencia de los músculos que intervienen en este proceso y los beneficios de su trabajo y desarrollo. Consiste también, en conocer los diferentes tipos de respiración, así como de ampliar nuestra capacidad de ventilación con la ejercitación constante.
Es básico al inicio respetar la forma de respirar de cada persona y el punto de apoyo de su inhalación (Pectoral, intercostal, abdominal) ya que el tratar de modificarlo súbitamente, cuando este punto de apoyo no es correcto, solo acarreará bloqueos y dificultades en el actor, hay que darle su tiempo al entrenamiento y al proceso de reeducación que este entraña y que solo surge de la concientización personal.

Ejercicios: Solamente haga un ejercicio de respiración por sesión, hacer dos distintos puede ser contraproducente
Ejercicio 1 (Tres veces por inciso)
a) Inspire por la nariz en forma lenta, profunda y regular; retenga el aire dos segundos; espire por la nariz en la misma forma.
b) Inspire por la nariz en forma lenta, dilatando las alas; retenga el aire dos segundos; espire por la nariz en forma lenta, regular, completa.
c) Inspire en la misma forma qué en el inciso anterior, retenga el aire dos segundos; espire por la nariz en forma rápida y continua.
d) Inspire en la misma forma que en el inciso b; retenga el aire dos segundos, espire por la nariz en forma lenta y regular.
e) Inspire por la nariz algo rápido, retenga el aire dos segundos; espire por la nariz en forma lenta y regular.
f) Inspire por la nariz algo rápido dilatando las alas de la nariz; retenga el aire por dos segundos; espire por la nariz en forma lenta y regular.
g) Inspire como en el inciso anterior, retenga el aire dos segundos; espire por la nariz en forma rápida.
h) Después de haber espirado normalmente y sin volver a inspirar, saqué el aire de reserva en dos o tres golpes rápidos; inspire por la nariz en forma regular y completa.

Ejercicio 2 (Tres veces por inciso) En la realización de todo el ejercicio, la boca debe permanecer entreabierta durante la espiración.
a) Inspire por la nariz, en forma lenta, total, regular; retenga el aire dos segundos, espire por la boca en la misma forma.
b) Inspire por la nariz, en forma lenta, abriendo las alas de la nariz; retenga el aire dos segundos; espire por la boca en forma lenta, completa y regular.
c) Inspire como en el inciso anterior, retenga el aire dos segundos; espire por la boca en forma rápida y continua.
d) Inspire como en el inciso b; retenga el aire dos segundos; espire por la boca en 4 golpes, tratando de consumir todo el aire de reserva.
e) Inspire por la nariz algo rápido; retenga el aire dos segundos; espire por la boca en forma lenta, regular y completa.
f) Inspire por la nariz rápidamente. Abriendo las alas de la nariz; retenga el aire dos segundos; espire por la boca rápidamente en 4 golpes de aire.
g) Después de una espiración normal, saque el aire por la boca en dos o tres golpes, tratando de expulsar la mayor cantidad; inspire por la nariz en forma regular y completa, sin ansiedad.

Preparación del aparato fonador:

Después de llevar a cabo los ejercicios de relajación y respiración necesarios para iniciar cualquier sesión de entrenamiento vocal, es también; indispensable preparar el aparato fonador. Esta preparación tiene entre otras, la finalidad de iniciar en el trabajo a los órganos y músculos que intervienen en la emisión de la voz, en forma suave, no intensa, con el objeto de eliminar la posibilidad de lesionarse.
En este sentido, la preparación del aparato fonador consiste en llevar a cabo los ejercicios de menor grado de dificultad de aquellos aspectos vocales que revisten, paradójicamente el mayor esfuerzo, teniendo siempre como base, y esto lo reiteramos, la relajación y respiración correctas.

Ejercicios: Ejercicio 1 (3 minutos) En una posición cómoda: a) Bostece ampliamente b) Trague saliva c) Reproduzca el murmullo del oleaje d) Reproduzca el ruido de las olas con cada vocal e) Reproduzca el sonido del viento. Todo lo anterior se debe realizar musitando.
Ejercicio 2 (3 minutos) Exagerando la pronunciación y musitando; diga frases cortas y trabalenguas. Ejemplo: “Don Tristras tenía tristezas, pero las perdía en un tris tras. Por eso las tristezas de don Tristras no eran tristes por su tristeza, sino que sus tristezas eran tristes por un tristras de don Tristras”

Impulso espiratorio (Columna de aire)

El impulso espiratorio corresponde a la tercera fase de la respiración fisiológica (Inspiración, pausa, espiración) de donde se desprende la importancia que tiene, pues solo es en la espiración donde se produce la fonación. El impulso espiratorio debe de ser estable; regular; silencioso y con fuerza, para lograr esto, el actor ha de entrenarse hasta el punto tal que pueda gobernarlo y con ello, suministrar el aire indispensable con la fuerza necesaria en el momento justo. La columna de aire pues, está hermanada de manera definitiva con el apoyo; la resonancia y la proyección de la voz. En concordancia con Stanislavski, el actor ha de reaprender todo en la vida: a caminar; a ver; a sentarse; etcétera, pero de manera definitiva a respirar y suministrar su aire.
Utilizando la imagen de una columna de aire endeble, corresponderá una voz débil y llena de fisuras, mientras que a una columna de aire bien formada y sólida, corresponderá una voz bien impostada y expresiva.

Ejercicios: Ejercicio 1 (2 minutos por inciso) De pie, en una posición cómoda, oprima sus costillas con los antebrazos, inspire con profundidad, sostenga dos segundos el aire y espire suavemente mientras en volumen bajo:
a) Dice las vocales lentamente
b) Lee algún texto o poema corto
c) Repite un mismo trabalenguas

Ejercicio 2: Repita el ejercicio anterior, solo que ahora debe oprimir con las palmas de sus manos la región abdominal y pélvica (Ver ilustración abajo) Al momento de emitir la voz debe mantener la sensación de que sus manos son empujadas por el abdomen y la pelvis.

Resonancia:

El aire modificado y transformado en sonido por las cuerdas vocales, es amplificado y embellecido por las cavidades de resonancia antes de ser lanzado al exterior. Faringe; cavidad bucal; fosas nasales; y cavidad naso faríngea, constituyen los resonadores fisiológicos o cámaras de resonancia, que refuerzan el sonido por la excitación que estas producen al impactarse en ellas la onda sonora faríngea y añadir al sonido básico, sus frecuencias propias. También, hay que tomar en cuenta las sensaciones vibratorias y o propioceptivas que, dependiendo de la persona y de su entrenamiento, pueden ubicarse en la cabeza; el pecho; el estómago; la espalda; etcétera, por la sensación que en estas zonas produce la emisión de su voz, dando la impresión de resonar.
Si los resonadores son asunto de conformación anatómica ¿Qué sentido tiene su entrenamiento? En primer lugar ubicarlos, aprender a percibirlos y manejarlos deliberadamente; en segundo lugar, partiendo del hecho de que a excepción de los nasales en todos los demás intervienen partes móviles, se puede aprender a manejarlos, mejorando su uso, sustentados en el correcto entrenamiento de la relajación, del apoyo, del impulso espiratorio y desde luego de los aspectos fonéticos sobre el punto y modo de articular vocales y consonantes.
Al hacer los ejercicios, por la naturaleza del entrenamiento, esté atento, más que al sonido, a la sensación producida en los resonadores. Intente grabarse para distinguir los cambios en la resonancia. Dependiendo del avance del entrenamiento, varíe la posición corporal, desplazándose, corriendo, saltando, etcétera.

Ejercicios: Ejercicio 1 (3 minutos) Emita nasalizando, frases cortas; trabalenguas o fonemas. El efecto permite concienciar el trabajo del resonador nasofaríngeo.
Ejercicio 2 (3 minutos) Cante con la boca cerrada: al hacerlo forme con el paladar y la lengua una cámara amplia, manteniendo los dientes separados y los labios juntos.

Apoyo:

La correcta emisión de la voz demanda del actor salud física, pero también, fortaleza física; especialmente de los músculos que constituyen la pared abdominal y sus conexiones con los músculos pélvicos. Apoyar la voz significa impulsar el aire sin obstrucción, con fuerza y continuidad, mediante el trabajo ejercido por los músculos abdominales y pélvicos sobre el diafragma y por lo tanto, sobre el impulso espiratorio; con ello se logra que la fonación fluya sin jadeos ni desmayos, suministrando de manera controlada el aire espirado y posibilitando también, que este impacte con la fuerza necesaria las cavidades de resonancia. El correcto apoyo de la voz facilita la fonación, sin importar que el actor trabaje desde posturas o movimientos cotidianos, hasta acrobáticos. El apoyo así entendido, proporciona flexibilidad y movilidad al diafragma, contribuye al adecuado manejo de la respiración en el trabajo escénico e influye de manera determinante en la proyección de la voz.
Recomendación: Para todos los ejercicios de apoyo, emita la voz en su tono natural.

Ejercicios: Ejercicio 1 (5 veces) Espire suavemente, inspire con profundidad, sostenga dos segundos sin sacar el aire y emita la consonante S prolongando su sonido de manera suave y regular.
Ejercicio 2 (5 veces) Respire cómo en el ejercicio anterior. Pronuncie la S alargando el sonido, comience con intensidad y disminuya paulatinamente.

Proyección:

Es indispensable que el actor tenga presente el concepto de ” proyección de la voz “ y se entrene en el manejo adecuado de la misma. Proyectar significa arrojar o lanzar a distancia. Proyectar la voz significa que el sonido; lo que se dice, llegue en forma natural a todos los espectadores, implicando el empleo de sus cavidades de resonancia; el impulso espiratorio y la eliminación de tensiones innecesarias. Proyectar la voz es llenar con está un ambito dado en cualquier posición corporal. Es importante no confundir proyección de la voz con volumen de la voz, pues una voz bien proyectada puede ser emitida a bajo volumen y sin embargo, escucharse claramente.

Ejercicios: Ejercicio 1 (2 veces cada serie) Emita musitando cada una de las vocales, alargando el sonido.
Ejercicio 2 (5 minutos) Exagerando la pronunciación y musitando, diga frases cortas y/ o trabalenguas.

Volumen:

El sonido es una sucesión de ondas longitudinales producidas por la vibración de un cuerpo y transmitidas a través de un medio elástico como lo es el aire y que percibimos cuando hace contacto con el tímpano. El sonido es pues un estímulo físico qué actúa sobre el tímpano. Constituye en última instancia una sensación.
Tres son las características, además de su duración que definen el sonido, entendido como sucesión de ondas longitudinales: La intensidad; el tono y el timbre. La intensidad corresponde a la amplitud de onda y es lo que comúnmente conocemos como volumen. Para medir la intensidad de una vibración se establece una escala de decibeles, además de la frecuencia podemos entender que el volumen es un término convencional que se relativiza de una circunstancia a otra, de un papel a otro y para fines de entrenamiento de un actor a otro. Así el volumen debe adecuarse a las características del personaje en cuestión, a las circunstancias y al objetivo general de la obra que se trate, en el lugar específico donde se lleve a cabo. Para tal efecto, el actor debe conocer, entrenar y manejar su voz para poder emitirla en los distintos volúmenes que se requieran.

Al realizar los ejercicios correspondientes al volumen es muy importante mantener la relajación del aparato fonador, especialmente en el volumen alto. Atención pues a la máscara facial, cuello y hombros. Realice todos los ejercicios en su tono medio o normal, cuide que no se “quiebre” en volumen alto, pues ello es indicación de un trabajo incorrecto que puede llegar a lesionarle. Durante la realización de estos ejercicios, debe cuidar el punto y modo de articulación de cada una de las letras que emite, evitando que la voz se “baje” a la garganta.

Ejercicios: 1) (4 minutos) Pronunciando vocales; números; fonemas o frases cortas, ubique 3 puntos en una escala convencional y personal de volumen; llámeles bajo; medio y alto. Escuche las posibilidades de extensión de su volumen.
Ejercicio 2 (Dos veces) a) Diga cada una de las vocales alargando su sonido. Utilice un volumen de bajo a medio y a la inversa.
b) Diga cada una de las vocales alargando su sonido. Utilice un volumen de medio a alto y a la inversa.
c) Emita 5 veces cada vocal. Emplee un volumen de bajo a alto y a la inversa.
d) “Clave” las vocales. Diga la serie de vocales en volumen alto contrayendo el abdomen al emitir cada una.

Bueno, para estos dos meses es bastante trabajo el que tendremos al trabajar estos ejercicios para conocer y mejorar nuestro aparato vocal. En el próximo post seguiré un poco más con el tema de la voz y luego en la última entrega de este entrenamiento básico, trataremos de unir todos los conceptos y realizar prácticas enfocadas en la construcción de un personaje.

Nos leemos en la próxima.

Fuentes:

Revista Máscara

La Construcción del Personaje, Konstantin Stanislavski

Voz y manejo tonal, Sotoconil

Entrenamiento vocal, Barba

El aparato vocal y su funcionamiento, Cornut

La sustentación de la voz, McClosky

La voz y el actor, Berry

La voz, Grotowski

Entrenamiento básico del actor y la actriz (Meses 4; 5 y 6)

En estos tres meses trabajaremos sobre tres tópicos principales: La plasticidad del movimiento; la contención y el control. El objetivo principal para estas sesiones de entrenamiento es sensibilizar nuestro cuerpo y paralelamente conocer, educar y dominar nuestro instrumento para qué sea más expresivo, para que responda a cualquier sensación interna de nuestro espíritu de una manera controlada y bella en el más amplio sentido.

Mes 4, La Plasticidad del Movimiento

“El movimiento y la acción, qué nacen en los recovecos del alma y siguen una estructura interna, son esenciales para los verdaderos artistas en el drama, el ballet o cualquier otra forma de arte teatral o plástico” Konstantín Stanislavsky

Vamos a tratar de atacar el movimiento plástico desde dos frentes; el físico y el espiritual ¿Por qué el físico? Pues por qué es necesario tener un aparato físico bien desarrollado y entrenado para poder intentar darle vida a un personaje en el mejor de los casos, y para poder aguantar las horas de ensayo, las horas de función y o las horas de grabación en locación sin sufrir quebrantamientos físicos en el transcurso de nuestro trabajo, en el peor de los casos.

¿Por qué el espíritu? Por qué toda acción externa no es más qué la proyección física de una acción interna o un sentimiento. Cómo dice el maestro Stanislavsky, el movimiento y la acción de un verdadero artista nacen en los recovecos del alma y debe ser así siempre.

Iniciamos con la acostumbrada rutina de calentamiento, a esta altura ya deberíamos tener un mejor manejo de nuestra respiración, de nuestro cuerpo y de nuestra mente y lo recomendable sería aumentar el grado de dificultad de los ejercicios, ya sea aumentando las repeticiones y o el número de series de los mismos en el caso de las rutinas físicas y la intensidad o el tiempo en el caso de las rutinas mentales.

Ejercicio uno; Desplazamiento: Duración 10 minutos. Procedimiento: Con la ayuda de alguna música (Tratar de qué la música no sea la misma en cada sesión) voy a tenderme en el suelo y lentamente voy a mover mi cuerpo sin desplazarme, tratando de qué los movimientos sean constantes y suaves. Una vez que haya explorado el movimiento en todo mi cuerpo; voy a empezar a desplazarme por el espacio, buscando diferentes puntos de contacto con la superficie por la cual me desplazo, sería bueno contar con niveles como: Sillas, bancos, escaleras, cuerdas sujetas al techo; cubetas llenas de agua; etc, para poder generar el mayor número de impulsos subconscientes. Unos dos minutos antes de finalizar el ejercicio voy a estar completamente erguido y trataré de desplazarme en líneas rectas variando la velocidad drásticamente entre desplazamiento y desplazamiento, por ejemplo; si realizo un desplazamiento rápido el próximo lo haré en cámara lenta, el próximo corriendo, el próximo normal y así sucesivamente.

Ejercicio dos; La Gota de Mercurio: Duración 4 minutos. Procedimiento: Imaginemos que en nuestra mano tenemos una gota de mercurio, la tenemos en nuestra palma y desde ahí la voy a trasladar por todo mi cuerpo, para esto debo mover mi cuerpo de manera qué la gota se mueva por pura gravedad. Es un ejercicio muy divertido y relajante y si se ejecuta con verdad y el Sí Mágico nos recompensará con una plasticidad de movimiento grande, qué nos hará sentirnos cómodos en la escena.

Ejercicio tres; balance: Duración dos minutos (Un minuto cada pierna) Procedimiento: De pie apóyense primero con el hombro y lado derecho, contra un poste o el marco de una puerta. Este apoyo es necesario para mantener una posición vertical fija. Evita que el cuerpo se incline en cualquier dirección. Habiendo así fijado una posición vertical para el torso, echen todo su peso con firmeza sobre la pierna cercana al poste o marco de la puerta. Pónganse ligeramente de puntillas y muevan la otra pierna, con la rodilla sin flexionar, primero hacia delante y luego hacia atrás. Al hacerlo, intenten llevarla a un ángulo recto en ambos sentidos. Al principio debe hacerse esto durante muy poco tiempo y en movimientos muy lentos, aumentando luego la duración para que se vayan ejercitando todos los músculos correspondientes. Por supuesto, no puede llegarse inmediatamente al límite; hay que hacerlo gradualmente y de forma sistemática. Cuando hayan hecho este ejercicio, supongamos con la pierna derecha, dense la vuelta y hagan lo mismo y de la misma forma con la izquierda. Y tengan cuidado de que, al extender la pierna, el pie no quede en ángulo recto con respecto a ella, sino que esté extendido en la misma dirección de la pierna; en punta como dicen en danza.

Ejercicio cuatro; ritmo: Duración 4 minutos. Procedimiento: Ahora voy a trabajar el movimiento con respecto a un compás musical, escojan tres pistas musicales; una con un compás lento, otra con un compás normal y la última con algún compás acelerado, sería bueno hacer una mezcla de las tres músicas en una sola pista, pegando pedazos de cada una con diferentes duraciones. Lo qué voy a hacer es lo siguiente; pongo la música y me voy a mover libremente al ritmo de la misma, cada vez qué haya un cambio de ritmo; trataré de hacer lo mismo con mi movimiento corporal, al principio es bueno hacer el movimiento libremente, pero luego sería bueno seleccionar movimientos y hacer una pequeña coreografía, para trabajar un poco la memoria corporal.

Ejercicio cinco; Estatua: Duración 5 minutos. Procedimiento: Hemos estado trabajando sobre la continuidad del movimiento físico, qué debe responder a un sentido o sentimiento interior del movimiento de la energía en nosotros mismos y en el espacio. Ahora vamos a cortar repentinamente el flujo de energía y vamos a acabar en una pose inmóvil, al principio en el primer instante va a ser solo eso una pose, pero voy a permitir que mi subconsciente trabaje para dar una base interna de verdad a esa pose. OK, es así entonces: relajadamente me desplazo por el espacio con alguna señal prefijada (Música; alarma; señal de algún compañero; etc.) me detengo y congelo la acción, entonces dejo que mi cuerpo se llene de esa acción congelada y le permito a mi subconsciente elaborar una base de verdad para justificar esa pose, posiblemente voy a tener que corregir mi posición levemente y está permitido un pequeño cambio de apoyo o posición de cualquier parte de mi cuerpo para darle verdad a esa estatua, puede ser simplemente fruncir el entrecejo, esbozar una sonrisa o doblar un dedo, pero van a ver como ese pequeño cambio de movimiento puede generar todo un estado interno emocional. Es esa verdad interna qué justifica un movimiento lo que estamos buscando y encontrar eso es hallar oro puro.

Meses 5 y 6, Contención y control

“El arte comienza con el toque más tenue” Briulov.

El pasado mes trabajamos en la plasticidad del movimiento, se le dio bastante énfasis a la parte física, pusimos en forma nuestros músculos y nervios y los desarrollamos, les dimos amplitud, y es necesario qué realizar ejercicios de este tipo se convierta en un hábito en nuestra vida. A partir de este momento nos enfocaremos en tratar de ubicar en nosotros mismos ese toqué tenue donde se inicia el verdadero trabajo artístico.

Para lograr lo anterior se necesita ser y estar en escena y no solamente actuar como si fuéramos. Actuar como si es fácil y lo vemos a cada rato al ir al teatro o al cine. Pero ser y estar requiere de sensibilidad; intuición; concentración y compromiso y solo lo logramos ver unas cuantas veces, pero cuando lo hacemos se produce una experiencia sensorial y algo de la vida del personaje y del actor qué vemos interpretar ese personaje se queda con nosotros, ese algo es la chispa de la vida, esa vida se convierte en un recuerdo qué estará con nosotros por siempre. Eso es arte.

Propongo una serie de ejercicios qué pretenden sensibilizarnos, actuar en el vacío, paso a paso, aceptando cada momento como nuevo aunque hayamos transitado por él decenas de veces.

Igual qué siempre, iniciaremos nuestra sesión con la rutina de calentamiento. Vamos a seleccionar un espacio neutro para nuestro trabajo de estos dos meses, por ahora será uno pequeño, digamos un metro cuadrado, podemos marcarlo, con tiza o utilizar una alfombra para qué nos quede bien claro los límites de nuestro espacio creativo. Ok ya lo tenemos, ahora sí lo voy a admirar por un momento desde fuera, aún no me introduzco en él ¿Listos? A partir de este momento cuando ponga un pie en mi espacio voy a ser totalmente consciente de mi entorno interno y externo, ya no puedo permitirme ser de cualquier manera, ahora soy super consiente de todo lo qué sucede a mi alrededor en mi espacio, soy digamos como un soldado que cuida su fuerte, voy a estar alerta en mi espacio al menos durante 5 minutos seguidos concentrando toda mi atención en lo que sucede. Voy a suprimir cualquier pensamiento que no se relacione con lo que estoy viviendo en este momento, todo mi cuerpo, ojo Todo mi cuerpo va estar atento a lo qué sucede, no racionalizo nada solo reacciono y acciono, eso será todo por el momento. Ahora me voy sentar y relajar en ese espacio pero siempre alerta, ojo Alerta con tensión natural, No Alerta estresado. Me siento respiro profundo y disfruto con todo mi cuerpo estar ahí en mi espacio creativo, esto lo haré durante al menos 5 minutos.

Ahora salgo de mi espacio creativo, estoy en el espacio de cualquier manera de la vida diaria y me permito ser de cualquier manera ¿Cómo se sienten? Verdad qué ese pequeño espacio demarcado en el piso a cobrado una dimensión diferente, como de respeto, casi tiene un valor sagrado y también es posible que sientas que cuando estás en el espacio no marcado; en el espacio de cualquier manera te empieces a mirar críticamente y subjetivamente empezarás a evitar ser de cualquier manera y buscarás un equilibrio y una sensibilización hacia tu exterior físico y tu interior espiritual. Es increíble el nivel de conciencia que logramos con este pequeño ejercicio de sensibilización. Bueno a partir de está sesión y durante los próximos dos meses voy a irle agregando un metro cuadrado a mi espacio haciéndolo mas grande cada vez, esto aumentará la dificultad pero también nuestra concentración y nivel de sensibilidad.

Siguiente ejercicio, este lo haremos cada cuatro sesiones qué realicemos el anterior. Dejá en el suelo la primera marca qué pusiste para tu espacio creativo, entrás a tu espacio y vas a decir un texto qué te cause mucha emoción, que te guste mucho, puede ser un poema; una canción; un cuento, etc, lo que querás. Dejá qué toda tu emoción salga, tu cuerpo puede moverse libremente en ese pequeño espacio, utilizá al máximo tus recursos corporales. Listo, ahora vas a poner una silla en el centro de ese pequeño espacio, te sentás en ella y volvés a decir tu texto sin levantarte de la silla ¿Listo? Bien, ahora permanecés sentado en la silla, pero vas a poner tus manos debajo de tus piernas de manera que no las podás mover para nada, ahora vas decir el texto con toda la fuerza y emoción posible ¿Qué sucedió? ¿Cómo te sentiste en cada una de las veces qué dijiste el texto? Ok, el objetivo de este ejercicio es enseñarte a estar atento a tus impulsos y controlarlos, hay muchos impulsos qué aunque son verdaderos no contribuyen a la ejecución de tu personaje si no más bien lo ensucian y lo esconden detrás de tus propios gestos hechos de cualquier manera, cómo vos sos en la vida diaria. Hay que estar sensible a los impulsos siempre, pero tenés que tener el suficiente control y contención para usar los qué en verdad colaboren con la forma artística del personaje y eliminar los qué lo borren o ensucien. En un primer acercamiento es bueno y debe ser así siempre dar todo, expresar todo lo qué siento y volcarlo en acciones físicas, pero luego viene el trabajo del artista qué es el de seleccionar su material, por lo tanto entre más impulsos sientan es mejor y exprésenlos, no se contengan; de esta manera tendrán mucho material pero luego seleccionen lo mejor y denle acabado.

En el teatro es mas visible este proceso de limpieza del gesto y selección de acciones, ya qué hay un periodo de ensayos suficientemente largo qué permite hacer este trabajo, en el cine en cambio la mayoría de las veces hay solo uno o dos ensayos antes de grabar la escena y no hay secuencia de tiempo lo qué hace qué no tengás una perspectiva tan certera como en el teatro de la evolución del personaje, casi qué tenés qué lograr el mejor acabado posible desde la primera toma, entonces hacer estos ejercicios regularmente te permitirán desarrollar la sensibilidad y la técnica necesarias para qué subconscientemente estés preparado para lograrlo.

Bueno para finalizar un tercer ejercicio meramente físico, o más bien una recomendación: dediquen al menos unos 15 minutos en hacer algo de acrobacia; telas; rutinas de circo; clown; etc. Proximamente estaré subiendo un material de acrobacia con un experto en la materia Esteban Corrales, quien es actor y acróbata. Pero por ahora practique cosas simples como hacer rollos; pararse de manos; equilibrio en la barra, o consígase tres bolas de tenis y pruebe hacer malabares. Lo anterior por dos motivos, el primero para qué se relaje después de haber realizado los ejercicios de espacio creativo, qué tienden a ser muy agotadores mentalmente, ya qué aunque para todos los seres vivos es algo natural ser sensibles y estar alertas con su entorno y no representa ningún trabajo extra o intelectual, en el caso de los seres humanos y principalmente los adultos hemos perdido esa capacidad de interactuar con nuestro entorno y con nosotros mismos de manera natural debido a la gran importancia qué nos han enseñado a darle a la racionalizacón y del miedo que sentimos ante el vacio. Tenemos una necesidad enseñada que nos dice que cada cosa debe estar bajo control y eso mata la intuición, la frescura y la capacidad de sorprendernos. Elementos tan necesarios en cualquier arte. Los ejercicios de acrobacia nos relajaran y contribuirán con el objetivo de sensibilizar nuestro instrumento.

Por último quiero compartirles algunos pensamientos del director Peter Brook; sobre este tema.

Para que las intenciones de un actor sean totalmente claras, con una tensión intelectual, unos sentimientos verdaderos y un cuerpo equilibrado, los tres elementos .pensamiento, emoción y cuerpo- deben estar en perfecta armonía. Solo entonces el actor cumplirá el requisito de ser más intenso en un corto intervalo de tiempo de lo que es en su casa.

Cuando nuestros actores realizan ejercicios acrobáticos, lo hacen para desarrollar su sensibilidad y no sus habilidades acrobáticas. Un actor que no realiza jamás ningún ejercicio actúa de los hombros para arriba. Sensible significa qué el actor está en contacto con todo su cuerpo en todo momento.

¿Cuáles son los elementos que perturban el espacio interior? Uno de ellos es la racionalización excesiva ¿Por qué insiste uno en preparar las cosas de antemano?

Fuentes: La construcción del personaje, Konstantín S. Stanislavsky
La puerta abierta y El espacio vacío, Peter Brook.

Fotografía: LosDespiertos; talleres de actuación.

Video realizado en un taller de dirección de actores, impartido por Ishtar Yasin Gutiérrez

Entrenamiento básico para el actor y la actriz, parte dos

Hola, hoy toca continuar con los meses dos y tres del entrenamiento básico, antes quisiera señalar que este entrenamiento es un auxiliar en el acondicionamiento y sensibilización de nuestros sentidos. Estas rutinas nos permitirán tener y o poner a punto nuestro instrumento, pero en ninguna manera pretenden ser un método, es más bien, recomendable para intérpretes que ya tienen alguna experiencia y o formación.

Al iniciar nuestro entrenamiento como actores y actrices es necesario tener a nuestro lado un intérprete con experiencia, que nos pueda guiar desde las bases. Aunque como dice el maestro Luís Fernando Gómez: “La actuación no se enseña, se aprende” y estoy totalmente de acuerdo con él, ya que al ser nosotros artesanos artistas; solamente podemos crecer en nuestro arte haciendo, haciendo y haciendo, pasando horas en la escena en una búsqueda personal. Pero sí hay ciertas técnicas qué se deben aprender, practicar y perfeccionar, como: respiración, dicción, expresión corporal, ritmo, entre otras, y para esto es primordial que sea una persona entrenada y con experiencia la que nos guíe y supervise al menos en las primeras etapas y lo principal es que esta guía sea presencial. Poco a poco iremos sintiendo la necesidad de experimentar por nosotros mismos, pero siempre que se pueda es bueno contar con la supervisión de algún maestro o maestra interprete.

Así que estos ejercicios son útiles como una herramienta para sensibilizarnos, y los objetivos que nos fijemos van a variar dependiendo de la etapa de formación y búsqueda en la que estemos.

Bueno ahora sí, vamos con el segundo mes de entrenamiento.

Mes dos: El signo externo

“Pidan a un voluntario cualquiera qué camine de un lado a otro de un espacio. Cualquier persona puede hacerlo. Hasta el idiota más torpe sería capaz de hacerlo, solo tiene qué caminar. No realizará ningún esfuerzo y no merecerá recompensa alguna. Pídanle luego que intente imaginar qué tiene en las manos un recipiente lleno con un líquido muy valioso y qué debe caminar con cuidado para qué no se vierta una sola gota de su contenido. De nuevo cualquier persona será capaz de realizar el necesario ejercicio de imaginación y se moverá de un modo más o menos convincente. No obstante, su voluntario habrá hecho un esfuerzo especial, así qué tal vez merezca qué le de las gracias y una propina por intentarlo. A continuación pídanle qué imagine que el recipiente se le resbala de las manos mientras camina, se estrella contra el suelo y derrama su contenido. Lo habrán puesto en un aprieto. Intentará ACTUAR y se apoderará de su cuerpo el peor de los artificios interpretativos de un aficionado, haciendo qué la expresión de su rostro sea FINGIDA, en otras palabras espantosamente IRREAL. Para ejecutar esa acción en apariencia sencilla de modo qué parezca tan natural cómo el mero hecho de caminar, se requiere toda la habilidad de un artista profesional; una IDEA ha de hacerse de CARNE y HUESO, SER UNA REALIDAD EMOCIONAL, debe ir más allá de la imitación, hacer qué una vida inventada sea también una vida paralela qué no pueda distinguirse de la real a ningún nivel. Comprendemos ahora por qué un auténtico actor merece ganar el dineral qué las compañías cinematográficas le pagan por crear una impresión verosímil de vida cotidiana” Peter Brook; La Puerta abierta.

Bien, al igual que en el mes uno, iniciaremos con el calentamiento respectivo (Consultar mes uno) ahora al final de nuestro calentamiento vamos a agregar un ejercicio de sensibilización que consiste en sentarse cómodamente en el suelo con las piernas cruzadas, como en la posición tradicional del Yoga, cerramos los ojos y durante 5 minutos nos vamos a concentrar en nuestro cuerpo físico, trataremos de mantenernos completamente inmóviles, van a ver qué es divertido, posiblemente les va a empezar a picar todo, pero van a sentir esos impulsos y los van a controlar, concéntrense en mantenerse totalmente inmóviles, son solo 5 minutos.

Este ejercicio te sensibilizará, aprenderás a sentir los impulsos y controlarlos y lo más importante conocerás mejor tu cuerpo. Recuerden que al final lo que se va ver, lo que va a determinar en gran parte el éxito de nuestra interpretación es el efecto físico que logremos proyectar, por lo tanto a más dominio corporal mayor eficiencia de proyección física.

El otro ejercicio para este mes tiene que ver con "el sentido de la verdad" Stanislavsky decía que un actor debe tener un agudo y desarrollado sentido de la verdad en escena, esto es totalmente cierto. Ahora lo que pasa es que aunque la verdad universal y general es absoluta, en el caso de la verdad individual nos encontramos con que es relativa y varía con nuestra experiencia, estilo de vida, educación etc. Con los personajes sucede lo mismo, cada uno tiene y defiende su verdad.

Por lo tanto el actor y la actriz deben aprender a ampliar su sentido de verdad para adaptarlo a los diferentes personajes que interpreten, el siguiente ejercicio nos ayudará a hacerlo.

Para esto voy a utilizar el sí mágico y voy a variar el ejercicio dependiendo de mis necesidades. Ejemplo del ejercicio: Voy a tomar un vaso con agua y lo voy a beber hasta el fondo, voy a tratar de supersentir todas las sensaciones que esta acción me produce y los sentimientos o pensamientos que evoca en mi, a continuación voy a volver a repetir la acción anterior pero esta vez solo con mi imaginación, lo voy a hacer las veces que sea necesario hasta que ya no tenga que pensar al realizar la acción. Van a ver que al principio a la hora de realizar la acción imaginaria está se va a tripliclar en duración con respecto a la acción con elementos reales. Luego de esto voy a realizar una variante, ok ahora me voy a tomar el vaso de agua realmente pero COMO SÍ fuera aceite de cocina ¿Qué sensación me produce? ¿Qué imágenes evoca? Voy a variar mis reacciones, tratando de ir desde lo más realista o naturalista a lo más absurdo y o exagerado, por que diferentes personas tienen diferentes reacciones naturales y verdaderas ante un mismo estímulo, por eso existen los mal llamados personajes cómicos y trágicos y o la mezcla de ambos.

Entonces recapitulando: la idea del ejercicio anterior es volvernos más sensibles con nosotros mismos y con nuestro entorno, además, de permitirnos incrementar nuestras posibilidades expresivas, pero partiendo desde una base natural y verdadera (Causa, Efecto)

Bueno esto es todo para el mes 2

Mes Tres: Personajes y tipos

"La composición de un personaje, cuando va acompañada de una transposición real, de una especie de reencarnación, es algo grande. Y puesto que lo que tiene que hacer un actor es crear una imagen mientras está en escena, y no simplemente exhibirse ante el público, es necesario que seamos todos capaces de hacerlo. Dicho de otra forma, todos los actores que sean artistas, los creadores de imágenes, deben utilizar caracterizaciones que les permitan encarnar sus papeles" Konstantín Stanislavsky, La construcción del personaje.

Como siempre vamos a iniciar con el calentamiento respectivo comentado en los meses anteriores, para este mes vamos a trabajar y concentrarnos en las características físicas de un personaje, la idea es seleccionar un personaje de los que se suelen llamar personajes tipos (Viejo, loco, soldado, intelectual, tartamudo, etc) vamos a trabajar en su aspecto más exterior tratando de darle una caracterización. Igual que en los post anteriores usted va a elegir el personaje que más le convenga desarrollar según sus objetivos. Como consejo sugiero y es lo que yo hago, siempre seleccionar el que represente más retos para mi, el que me desnude y exponga mis limitaciones, el que me ayude a crecer como ser humano, sacándome de mi zona segura de movimiento, sentimiento y pensamiento.

Seleccione el personaje tipo que quiera desarrollar, yo a manera de ejemplo seleccionaré al viejo. Ok el primer impulso maquetero, el rapid maket como dice un conocido actor nacional sería encogerse, arrugar la cara, medio cerrar los ojos y hablar brincándose las consonantes. Eso está bien para los maqueteros y es el sueño de todos ellos, pero para el intérprete verdadero o creador de imágenes, eso sería un remedo de vida, una abominación que no puede ser permitida en su taller creativo.

Para empezar vamos a abordar nuestro viejo desde el enfoque físico solamente, y esto representa ya un arduo trabajo si lo hacemos con sentido de la verdad ¿Por qué las personas mayores se mueven lento? ¿Por qué sus angulos de movimiento son más agudos? ¿Dónde está su centro de equilibrio? ¿A qué se debe qué su voz sea un poco mas grave?

Para contestar las preguntas anteriores citaré de nuevo a Stanislavsky

"Debido a la sedimentación de las sales, al endurecimiento de los músculos y a otras razones qué minan la constitución humana, con el paso del tiempo las juntas de un anciano no están bien engrasadas, eso aminora la amplitud de sus gestos, reduce los ángulos de flexibilidad de su torso, de su cabeza. Se ve obligado a dividir sus movimientos mas amplios en una serie de movimientos menores y cada uno de ellos debe prepararse antes de ser llevado a cabo. Mientras qué un joven puede realizar giros de caderas de 50 y 60 grados con rapidez y comodidad, al hacerse más viejo se verán reducidos a ángulos de 20 grados y no se harán de forma rápida, sino por partes y lentamente. Por eso es por lo qué la continuidad y el ritmo de los movimientos de los ancianos son tan pausados y flácidos. Todos estos factores determinantes se convierten para los qué estén representando un personaje en parte integrante de LAS CIRCUNSTANCIAS DADAS, del SÍ MÁGICO del argumento de una obra de teatro" Stanislavsky

Entonces, como podemos deducir la creación y caracterización de un personaje responde a situaciones de vida, entorno social, desgaste físico, educación, etc y nada tiene que ver con un acto maquetero o al menos no en el verdadero arte de la interpretación.

Bueno pues, según sea el personaje que escogiste así debes dirigir tu busqueda, si fue el intelectual por ejemplo, deberías averiguar cual fue su educación, quienes fueron sus padres, por qué le gustan más los estudios qué las fiestas por ejemplo, o tal vez a este intelectual le gusten mas las fiestas qué los estudios? No sé, es tu busqueda y tu personaje, pero abordado desde circunstancias dadas con una base real y usando un sentido de la verdad. Hay qué recordar qué no importa si usted actua mal o feo lo importante es qué lo haga con verdad, lo demás llegará con la práctica y el tiempo.

En el próximo post vamos a los meses 4; 5 y 6 Expresividad corporal y plasticidad en el movimiento.

Hasta la próxima y gracias.

Fuentes:

La construcción del personaje; Konstantin Stanislavsky

La Puerta abierta; Peter Brook

Taller Nacional de Teatro.

En la fotografía: Jimena Caballero y Alfredo Vargas en el corto Bigamia de los objetos inanimados

Video: Extracto de ensayo del espectáculo "Nosotros Los Hombres"

Producciones LosDespiertos, Costa Rica 2009

.