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domingo, 25 de abril de 2010

Dirección de actores (Desde el punto de vista de un actor)


Juan Pablo Solís, me sugirió redactar una nota sobre la dirección de actores en audiovisual, desde el punto de vista del actor ¿Cómo cree el actor que un realizador lo debería guiar y potenciar sus habilidades, al construir un personaje ante la cámara?

En lo personal me parece un tema excelente y actual en la realidad del audiovisual nacional. Actualmente bastantes realizadores y realizadoras prefieren trabajar con actores naturales por diferentes motivos. En ocasiones es una opción muy valida y necesaria, como en el caso del cortometraje “Matías” de la realizadora Patricia Velásquez, en este corto dos de los protagonistas deben ser boxeadores adolescentes, para este caso particular es más fácil y apropiado buscar a dos jóvenes “no actores” que sean boxeadores y que te cumplan con el casting requerido, por la dificultad (no digamos la imposibilidad) de encontrar dos actores que tengan esas características (Casting de adolescentes y además, que sepan boxear profesionalmente) Muy inteligentemente Patricia trabaja con actores naturales, pero pone en un papel de reparto a la talentosa actriz Andrea Gómez, lo que brinda mucha seguridad y confianza para la misma realizadora y el resto del elenco.

Sin embargo, hay realizadores que prefieren trabajar con actores naturales, aduciendo no poder o no querer hacerlo con actores profesionales debido a su “histrionismo” (Termino mal utilizado) y tendencia mantener la técnica teatral. Se basan en esta premisa errónea y recurren a personas con ninguna experiencia en el arte de la interpretación, situándolos en roles protagónicos que siempre conllevan un grado de complejidad y profundidad. Al final, con contadas excepciones el resultado es de regular a mediocre.

Ahora el problema al final, pienso yo, no es de los actores que utilicen, ya sean estos profesionales, aficionados o no actores. El problema reside en un desconocimiento sobre la dirección de actores, del proceso de creación de un personaje, la falta de profundidad al analizar el personaje literario por parte del realizador y el miedo al enfrentar este personaje literario con el personaje de carne y hueso que le da el actor. De tal forma que pueden tener a la actriz o al actor más talentoso, pero aún así no se garantizan un buen suceso, debido a su propia impericia y temor como realizadores en el campo de dirigir y acompañar a un actor en el proceso de creación.

Hay tres momentos cruciales en la dirección de actores, donde se toman decisiones por parte del realizador, que van a determinar en gran medida el éxito o fracaso de su proyecto.

1) El proceso de casting
2) El periodo de ensayos antes del rodaje
3) El rodaje


El casting: Generalmente, y esto lo digo por experiencia propia, el casting se limita a: “Perfil, perfil, frente, sonría, diga su nombre, teléfono, edad. Lea este texto, avísenos cuando esté listo ¿Ya? OK grabamos, bla, bla, bla. Nosotros lo llamamos”

El realizador pretende encontrar a su protagonista de esta manera, espera verlo entrar caminando por la puerta, y puede ser que así sea, pero eso es como pegarse el premio mayor de la lotería.

El actor tiene el derecho a conocer su personaje, su historia, sus gustos, sus manías, sus características y su carácter. El realizador tiene el derecho de conocer a su actor, probarlo en sus límites, observar sus capacidades físicas, mentales y de expresión de sentimientos.

El casting debe ser un proceso creativo de alto nivel, el director debe observar a su actor reaccionando ante hechos concretos, esto le dará una idea de lo que puede hacer o no. El realizador al igual que un director de orquesta, siempre será quien mandé y de la pauta de la música a tocar, pero al final el que va ser escuchado tocando por el público, es el músico, el pianista. Así que no está demás, elegir un excelente intérprete, que no solo se vea bien sentado al piano, si no que lo sepa tocar.

Idealmente el actor seleccionado para ir a un casting debería tener acceso a alguna parte fundamental del guión antes de hacer la prueba, esto le dará tiempo de prepararse, de conocer el personaje o simplemente de ser sincero con él mismo y rechazar el papel, que tal vez no llene sus expectativas artísticas o que esté fuera de sus posibilidades expresivas. El actor tiene derecho a eso y el realizador trabajará mejor con un actor que conoce, al cual ha visto trabajar en los límites.

El periodo de ensayos antes del rodaje: Muy a menudo este paso intermedio de ensayos antes de la grabación no existe, o si se hace, simplemente se limita a una sesión de lectura de guión o en el mejor de los casos un simulacro de la puesta en escena, donde se ensayan aspectos técnicos y de caracterización, pero lo artístico: el carácter del personaje, su interacción natural con los otros personajes, la sustancia, se dejan de lado. Este importante proceso de ensayos no se realiza argumentando falta de tiempo, en realidad este tiempo que se pretende ahorrar, al final es cobrado en el rodaje, o en el metraje, en forma de actuaciones vacías, sin dimensión. Una ley de la mecánica dice: “Lo que se gana en una cosa se pierde en otra” y se aplica muy bien en el audiovisual. Así que una recomendación para los realizadores es que incluyan ese tiempo de ensayos pre-rodaje en los requerimientos de la producción. Creo que no se van a arrepentir, al final terminarán ahorrando tiempo y material en el rodaje y las actuaciones serán aceptables como mínimo.

Si se pudiera, es bueno contar un director de actores, un coach, para ocuparse de los aspectos meramente técnicos y de proyección de los interpretes, sobre todo si se trabaja con actores naturales, y el director no tiene experiencia como actor o dirigiendo actores.

Un buen realizador debe conocer los personajes de su película, sus manías, su carácter, debe conocerlos tanto o mejor que el propio actor. El actor solo conoce su personaje, el director debe conocer todos sus personajes, los protagonistas de su creación artística.

El trabajo del director es hacerse dueño de la idea del guionista y mejorarla aportarle cosas. El trabajo del actor es adueñarse de la idea del guionista y del director sobre su personaje, mejorarla, aportarle cosas, con su técnica, con su mente y con su intuición. Esa es una excelente dinámica de creación.

El rodaje: Como dice la realizadora mexicana María Novarro, a esta altura, si has escogido bien tu equipo de trabajo; tus técnicos; tus actores, todo va sobre ruedas, es muy difícil fallar. Si te equivocaste en el casting, es muy difícil que te vaya bien.

Bueno, supongamos que se hizo un buen proceso de casting, se tomó tiempo prudencial para ensayar con los actores, entonces a está altura lo mínimo que puede suceder es el éxito del proyecto.

En este punto es bueno que el actor tenga acceso a parte del guión técnico, para que conozca el tipo de planos, los emplazamientos de cámara y los movimientos. Esto le permitirá hacer un repaso mental de su trabajo y acoplarlo con los requerimientos técnicos de grabación o filmación, lo que le permitirá proyectar mejor su personaje, ahorrar energía y dirigir su concentración para acentuar lo que se debe acentuar. Para esto obviamente el actor debería conocer de su oficio, saber al menos lo básico del lenguaje audiovisual, esto es algo en que los actores y actrices nacionales debemos trabajar.

Generalmente cuando se empieza el rodaje, es la primera vez que el actor estará ahí, muy pocas veces se cuenta con la dicha de ensayar en la misma locación del rodaje. Es importante que el realizador le permita a sus actores reconocer el espacio y si es posible ensayar en él previo a la grabación, sin tener que preocuparse por aspectos técnicos como: el encuadre, el movimiento, la luz, etcétera. Esto le permitirá al actor conocer su nuevo espacio de trabajo y crear para si mismo, para sus compañeros de escena, para el realizador y para el director de fotografía: imágenes y sensaciones nuevas, que pueden llegar a aportar mejoras en el plan de trabajo o la calidad artística de la escena (El delicioso encanto de la intuición) a veces es muy bueno grabar estos ensayos, pero repito: sin que el actor tenga que preocuparse por cuestiones técnicas.

Es cierto que en una producción se tiene que trabajar con horario rígido, el death line está siempre detrás como una sombra negra amenazante y cuando la sombra desaparece por segundos, entra en su lugar el productor a recordar constantemente la carrera contra el tiempo. Esto es así en todo el mundo, pero si se saca el tiempo necesario para trabajar los personajes con los actores, que son parte fundamental del producto final, el resultado siempre será exitoso.

Por último, me gustaría compartir parte del consejo que da el cineasta Robert McKee, a los guionistas al momento de trabajar con actores y actrices. Este consejo bien se puede aplicar al trabajo de dirección de actores por parte del realizador:

Hay que darle libertad al actor: Hay que darle al actor la máxima oportunidad de usar su creatividad; no llenar la página con constantes descripciones respecto a conductas, matices en los gestos, en los tonos de voz:

Bob se recarga en el atril, cruzando una pierna sobre la otra, con uno de sus brazos en jarra. Mira sobre las cabezas de los estudiantes, arqueando una ceja pensativamente:
Bob: (Flemáticamente) Bla, bla, bla, bla…”

La reacción de un actor respecto de un guión saturado con ese tipo de detalles es tirarlo al cesto de la basura, pensando: “No quieren un actor, quieren un muñeco” O si el actor acepta el papel, tomará un lápiz de color rojo y tachará todas esas tonterías. Los detalles que mencioné carecen de sentido. Un actor quiere saber: “¿Qué quiero? ¿Por qué lo quiero? ¿Cómo le hago para obtenerlo? ¿Qué me detiene? ¿Cuáles son las consecuencias? El actor le da vida a un personaje desde el subtexto: el deseo enfrentando fuerzas antagónicas. Frente a la cámara dirá y hará lo que se requiere en la escena, pero la caracterización debe ser su trabajo tanto como el del escritor es escribir o del director dirigir.

Otro ejemplo:


Bárbara:(Ofreciendo una taza a Jack) ¿Quieres esta taza de café, querido?


El público ve que se trata de una taza de café; el gesto dice: “¿Querrías esto?”; la actriz está sintiendo lo de “querido” Sabiendo que menos significa más, la actriz se volverá a su director y le dirá: “Larry, ¿Tengo qué decir:” ¿Quieres esta taza de café, querido? Digo, le estoy ofreciendo la maldita taza, ¿No? ¿No podríamos quitar esa línea?” La línea se quita, la actriz ilumina la pantalla al silenciosamente ofrecerle al hombre una taza de café, mientras el guionista se encoleriza: “Están haciendo pedazos mis diálogos” Robert McKee


Hasta la próxima…


Fuente:

Revista: Estudios Cinematográficos #28

lunes, 19 de abril de 2010

Talent Campus Guadalajara 2010


El pasado mes de marzo tuve el placer de asistir al Talent Campus Guadalajara 2010. Este evento sucede en el marco del festival internacional de cine de Guadalajara (FICG) y este año fue la muestra número 25.

El Talent Campus Guadalajara (TCG) es el segundo encuentro intensivo de actividades (Clases magistrales, talleres, proyección de películas, citas con expertos, etcétera) para estudiantes avanzados y profesionales en formación de México, Centro América y el Caribe.

TCG se realiza en cooperación con el Berlinale Talent Campus y el Goethe Institut Guadalajara. El lema monitor de este año fue: Persuasión y seducción, el arte de contar.



Estudiantes del Talent Campus

Como actor debo decir que fue una experiencia grandiosa desde todo punto de vista, trabajar con actores y actrices de primer nivel, recibir clases con maestros y maestras del cine mundial, aprender directamente de grandes realizadores y realizadoras, y tener el privilegio de grabar secuencias con ellos. Todo lo anterior te marca como actor y te permite tener un ángulo de visión diferente, además tenés la oportunidad de hacer contactos con talentosos cineastas de toda latinoamérica.

Este post lo quiero dedicar simplemente a hacerle publicidad al Talent Campus, con el objetivo de que más gente del medio dedicada a la actuación se anime a participar para el próximo año, y tengan la oportunidad de tener una magnífica experiencia profesional en el arte del cine.

Todas las actividades a las que asistí fueron de un alto nivel profesional, me quiero centrar en las referentes a la actuación y dirección de actores.

Amor a primera vista


Pablo Cruz y Diego Luna

Este fue el título del conversatorio entre Diego Luna y Pablo Cruz. La conversación giró en torno a la elección de actores para una película y la responsabilidad compartida entre director y productor. El momento crucial en que un personaje escrito se vuelve realidad y la crítica sentencia de elegir el rostro y cuerpo que lo representará.

Otro punto importante y que muchas veces los actores y actrices no tomamos en cuenta (Al menos en Costa rica) es la trascendental decisión de un actor o actriz al aceptar o rechazar un personaje. Al fin y al cabo un personaje es una obra de arte y nosotros como artistas al aceptar un personaje debemos ir con todo a realizar nuestra obra, un personaje debería inspirarte, sacar lo mejor y lo peor de vos. Así como un artista plástico; un músico; un escritor, trabajan con los temas que les apasionan, así también, los actores debemos trabajar con personajes que nos apasionen y tener el coraje para rechazar los que no nos llenan esa parte artística.

Diego Luna habló sobre la importancia del casting, la desición que toma el director al escoger su actor determinará en gran medida el éxito o el fracaso del proyecto, por lo tanto hacer casting es todo un arte y no lo que generalmente nos ponen a hacer aquí: salude, perfil, perfil, frente, diga algo, bla, bla, bla. El actor tiene derecho a pedir información sobre su personaje, el actor es un artista, un ser humano, no una herramienta o un muñequito del story board.

El deleite de ser otro


Kathrin Waligura y Alfredo Vargas

La talentosa actriz alemana Kathrin Waligura, impartío un taller de actuación, utilizando la técnica llamada "SourceTuning" desarrollada por el entrenador de actores Jens Roth. Utilizando esta técnica podés sintonizarte con tu personaje desde un nivel energético interior, es bastante interesante y requiere mucho entrenamiento físico y manejo de la energía.

La única manera de explicar la técnica y comprenderla es haciendo el taller, por este motivo me encantaría poder reproducirlo acá en el país, así que si hay diez personas interesadas en hacer el taller nos ponemos de acuerdo y lo hacemos, el único requisito es tener alguna experiencia previa y conocimientos como actor o actriz. Igualmente me encantaría hacer un taller un poco más largo con personas que tengan muy poca experiencia o que estén interesadas en practicar la actuación, si me escriben en un comentario diciendo que les gustaría llevar un taller de actuación básico, en cuanto hayan unas 15 personas interesadas hacemos un taller de introducción al juego escénico.

Actuando, Actuando, Actuando


Matt Dillon

Matt Dillon fue otro de los expertos con los que tuve la oportunidad de compartir y recibir una Master Class. Él centró su clase maestra en su experiencia y proceso de creación al representar tantos personajes distintos. Cómo afecta su proceso de artista el hecho de pertenecer al "Star System" y cual fue su experiencia al trabajar como actor de teatro. Igual que Diego Luna, señaló la importancia de aceptar un papel y enamorarte de tu personaje, debe existir compromiso total con el personaje, dedicarle horas de ensayo y trabajar de la mano con el realizador de la película.

Bueno, aparte de las tres experiencias anteriores, hubo mucho más: un taller de dirección de actores con el director alemán Rainer Simon, con el cual tuve el honor de grabar una secuencia de Pedro Páramo, espero más adelante tener el video para poder mostrarlo por aquí. Una clase maestra con Todd Solondz, sobre su peculiar manera de contar historias crudas con ironía y naturalidad. Otra master class con el reconocido director Pedro Costa. Una conversación con la realizadora María Novarro y su director de fotografía, el talentoso Gerardo Barroso.

En fín, fue una aventura provechosa y enriquecedora, espero que el próximo año se animen bastantes ticos y ticas y apliquen para ir al Talent Campus 2011, para de esta manera contribuir con el desarrollo del cine en nuestro país, que requiere de actores y actrices que conozcan el oficio y vayan hasta las últimas consecuencias en busca de un lenguaje cinematográfico propio.

Les recuerdo el ofrecimiento de los talleres de actuación y espero sus comentarios. Hasta la próxima y nos vemos en el Talent Campus 2011, Dios mediante.

Les dejo el enlace del Talent Campus para que le echen un ojo :)
http://www.talentcampusguadalajara.com.mx/web/



Grabando una secuencia de Pedro Páramo
en la foto: Pia Quien; Iván Porras; Álvaro Flores y Alfredo Vargas.

Fuente:
Talent Campus Guadalajara 2010

Video cortesía de:
Muralcom
http://www.youtube.com/user/Muralcom

video
Diego Luna en el Talent Campus 2010

domingo, 4 de abril de 2010

Entrenamiento básico para el actor y la actriz (Parte final)


“Un personaje no es un ser humano, como la Venus de Milo no es una mujer verdadera. Un personaje es una obra de arte, una metáfora de la naturaleza humana. Nos relacionamos con los personajes como si fueran verdaderos, pero son superiores a la realidad” Robert McKee.

Durante las diferentes entregas de este artículo, se han tocado puntos básicos del entrenamiento, que todo actor y actriz que quiera ser profesional debe conocer, practicar y dominar, y como el arte se encuentra en el toque más tenue; en lo simple y básico, pues es de suma importancia conocer y dominar la técnica básica de la interpretación.

Quiero eso sí, hacer hincapié en que no se debe caer en el tecnicismo “La técnica por la técnica misma” desgraciadamente incurrir en esto hace que un actor de talento se convierta en esclavo de su técnica y no llegue a expresar sus verdaderas posibilidades de artista. La técnica es buena en la medida en que sirva para darte libertad en la escena. Para esto se hacen ejercicios diarios, para aprender y dominar la técnica, pero una vez en la escena o locación, la técnica pasa a ser simplemente un reflejo, una conducta subjetiva, no hay que pensar en ella para nada. En todo caso es mejor ver a un actor sin técnica, pero reaccionando de una manera viva y espontánea ante las circunstancias de la escena, que a un actor haciendo alarde de su técnica, de su voz y de sus bellos movimientos, pero de una manera mecánica, fija, donde la vida está ausente, o sea actuando solo con técnica, donde la técnica toma el protagonismo de la escena. Pero bueno yo creo que esos actores y actrices no existen ya, y si existieran aún, están prontos a desaparecer.

Sí se ha seguido el entrenamiento propuesto en este artículo, al llegar a este punto deberíamos haber estado entrenando durante diez meses los diferentes aspectos que un actor y actriz debe manejar. Hemos ejercitado nuestro cuerpo; espoleado nuestros sentimientos; agilizado nuestra mente; trabajado la voz y todo el aparato fonador. En suma hemos expandido nuestros límites como artistas y seres humanos, pero mejor aún, hemos descubierto nuestras debilidades, y tal vez tendremos más dudas que al iniciar el entrenamiento, eso es magnífico, porque la vida de un artista es una eterna búsqueda de conciencia, de expansión de límites y de desafiar el vacío y el desequilibrio que produce esta búsqueda.

Para estos dos meses finales mi propuesta es la siguiente: ya tenemos un conocimiento más sólido de nuestro cuerpo externo e interno, ahora a esta altura sería bueno que cada uno y cada una de ustedes empezaran a experimentar con los conocimientos adquiridos, desarrollar su propia técnica. La persona que mejor conoce a cada uno es uno mismo, por lo tanto es importante que yo sea el maestro y arquitecto de mi vida como artista y como ser humano ¿Hasta dónde quiero llegar? ¿Cuáles son mis límites? ¿Qué pretendo del arte que hay en mí? ¿Cuánto estoy dispuesto a dar? Esas son preguntas que solo se puede contestar uno mismo, nadie más lo puede hacer, nadie más debe tomar esa responsabilidad.

Entonces en estos dos meses iniciaremos una búsqueda de nuestras necesidades como artistas. Les recuerdo que este es un trabajo que se hace diariamente, y perfectamente paralelo a esto se puede y se debe llevar formación con maestras y maestros experimentados en la actuación, que nos ayudarán en el aprendizaje del oficio, y bajo su ojo experto se descubrirán deficiencias que nosotros aún no estamos preparados para racionalizar.

Bueno un nuevo ejercicio para estos dos meses es el siguiente:

Ejercicio 1) Sentado en una posición cómoda sobre el piso, con la espalda recta y de fondo alguna música instrumental, vamos a cerrar los ojos y durante 5 minutos traten de no pensar en nada (Es muy importante estar quietos, no mover nada externamente, si me pica algo me aguanto, esto nos permitirá tener dominio sobre nuestro cuerpo físico) ok, cada vez que un pensamiento quiera colarse en nuestra mente lo bloqueamos inmediatamente y volvemos a cero. Posiblemente los pensamientos nos van a bombardear, entonces yo voy a estar bloqueando pensamientos constantemente. Luego de hacer este ejercicio durante unas dos semanas van a ver como empiezan a tener dominio sobre su mente, como debería ser naturalmente. También, van a descubrir como somos bombardeados y bloqueados por pensamientos parásitos, si esto ocurre en un estado de alerta como el que tenemos ahora ¿Qué pasará cuando no estamos alerta? Por ejemplo en la escena. Ese montón de pensamientos parásitos bloquean nuestra mente constantemente y nos impiden ser sensibles a lo que sucede en la escena.
En la segunda parte de este ejercicio, que durará 10 minutos, vamos a sensibilizar nuestro instrumento, nos concentraremos en sentir cada parte de nuestro cuerpo, su tensión, temperatura, posición, cualquier impulso o sensación que merezca ser notada. Una vez hecho esto voy a trabajar sobre mi energía ¿Dónde es más fuerte mi energía? ¿Qué quiere esa energía ahí? Luego sobre mi estado de ánimo ¿Cómo me siento? ¿Por qué me siento así? ¿Qué produjo qué me sienta de esta manera? Luego me concentro en las sensaciones externas ¿Qué escucho? ¿Qué produce ese ruido en mí? ¿A qué huele? ¿Cómo está el clima? ¿Qué produce esa brisa sobre mi rostro? ¿Qué estará pasando en la calle del vecindario? Trato de descubrirlo a partir de las sensaciones o estímulos externos. Luego descanso un minuto, vuelvo poco a poco a mi estado regular de conciencia, abro los ojos, estiro mi cuerpo y listo, continuo con mi entrenamiento.

Ejercicio 2) Rutina física de calentamiento de 15 minutos al menos.
Acá, ya cada uno y cada una de ustedes conoce su necesidad de entrenamiento corporal, así que ya deberían haber diseñado su propia rutina, lo importante es que tenga una duración de por lo menos 15 minutos y que comprenda las 4 fases: calentamiento; estiramiento; musculación y liberación de energía. Así que si no se han diseñado una rutina, este es el momento para hacerlo.

Ejercicio 3) Trabajo de técnica
Igual que en el ejercicio anterior, cada uno y cada una de ustedes deben diseñarse su propia rutina. La recomendación para hacerlo es la siguiente, Todos y todas tenemos puntos fuertes y puntos débiles, entonces escojan ejercicios que ustedes dominen para la primera parte de su entrenamiento técnico (30 minutos) de esta manera perfeccionaran sus fortalezas, para la segunda parte (30 minutos) seleccionen ejercicios que les ayuden a mejorar sus deficiencias o puntos débiles, traten de que sean los que más les cuestan, esos que les da miedo hacer en público, porque de esta manera ampliaran sus límites y enfrentarán sus miedos. Trabajar al borde del desequilibrio, del miedo, eso te hace crecer como artista. Entonces, si me da vergüenza cantar, pues escojo ejercicios de canto y si es posible los hago delante de algún grupo de personas. Je, je, a veces a hay que ser un poco masoquista.
Si seguimos la recomendación anterior, perfeccionaremos nuestras virtudes, que es muy bueno, pero ampliaremos nuestros límites trabajando sobre nuestras deficiencias, que es mejor.

Otras recomendaciones

Es importante recordar trabajar a partir de nosotros mismos, de lo que somos y no seguir estereotipos o clichés de actores o de actuaciones, el verdadero artista trabaja desde su interior y creo que esa es la única manera real de creación que existe.

En un actor es muy importante ser físicamente llamativo, ser una imagen del mundo; deben existir los actores pequeños y gordos, los altos y esbeltos, los que se deslizan con desenvoltura y los que se mueven pesadamente. Esto es necesario por que es la vida lo que mostramos, tanto la interior como la externa, inseparables una de la otra. Pero es muy importante que el cuerpo gordo y torpe o el joven y ágil tengan una sensibilidad igualmente desarrollada” Peter Brook, La puerta abierta.

Una buena interpretación no es el resultado de una composición mental previa, si no de haber creado un vacío libre de miedos en nuestro interior.

Al crear un personaje estamos creando una obra de arte “nuestra obra de arte” por lo tanto es un proceso que involucra todo nuestro ser conciente, subconsciente, objetivo y subjetivo. Es un proceso de crear vida, entonces estamos ante un gran privilegio y una gran responsabilidad.

Es necesario tomar en cuenta que la actuación es un arte temporal, que sucede en el tiempo constantemente, como el cine, el teatro, la danza y la música. Al contrario de las artes plásticas y literarias que tienen un inicio y un fin bien definidos. La actuación y más específicamente el arte de construir un personaje de dotarlo de vida, se sucede en el tiempo, es infinito y constante, por lo tanto responde a un proceso de demolición más que de construcción. No es como construir un edificio, es más bien botar ese edificio, construirlo y volverlo a botar, en esa deconstrucción constante nos encontramos con el personaje, lo conocemos por un momento y al siguiente instante cambia, se reinventa y así hasta el infinito.

Con esto finalizo el artículo sobre entrenamiento básico para el actor y la actriz, sería muy bueno tener sus comentarios sobre la efectividad de los ejercicios y o sensaciones que hayan quedado al realizarlos. Igualmente son aceptadísimas las sugerencias y críticas que ayuden a mejorar este material, que al fin y al cabo, su objetivo último es ayudar en el crecimiento que podamos tener como interpretes.


El espacio se llena de auténtica creatividad cuando uno no busca seguridad. Es necesario observar y cuestionar los elementos que dan seguridad. Un actor “mecánico” siempre hace lo mismo, así que la relación que establece con sus compañeros no puede ser sutil ni sensible. Cuando contempla o escucha a los otros intérpretes, solo está fingiendo. Se oculta en su concha “mecánica” por que le da seguridad” Peter Brook; El espacio vacío.


Fuentes:


La puerta abierta, Peter Brook

El espacio Vacio, Peter Brook

Deconstrucción del personaje; Estudios Cienematográficos; número 28.


Cortometraje: Café Negro
video