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domingo, 25 de abril de 2010

Dirección de actores (Desde el punto de vista de un actor)


Juan Pablo Solís, me sugirió redactar una nota sobre la dirección de actores en audiovisual, desde el punto de vista del actor ¿Cómo cree el actor que un realizador lo debería guiar y potenciar sus habilidades, al construir un personaje ante la cámara?

En lo personal me parece un tema excelente y actual en la realidad del audiovisual nacional. Actualmente bastantes realizadores y realizadoras prefieren trabajar con actores naturales por diferentes motivos. En ocasiones es una opción muy valida y necesaria, como en el caso del cortometraje “Matías” de la realizadora Patricia Velásquez, en este corto dos de los protagonistas deben ser boxeadores adolescentes, para este caso particular es más fácil y apropiado buscar a dos jóvenes “no actores” que sean boxeadores y que te cumplan con el casting requerido, por la dificultad (no digamos la imposibilidad) de encontrar dos actores que tengan esas características (Casting de adolescentes y además, que sepan boxear profesionalmente) Muy inteligentemente Patricia trabaja con actores naturales, pero pone en un papel de reparto a la talentosa actriz Andrea Gómez, lo que brinda mucha seguridad y confianza para la misma realizadora y el resto del elenco.

Sin embargo, hay realizadores que prefieren trabajar con actores naturales, aduciendo no poder o no querer hacerlo con actores profesionales debido a su “histrionismo” (Termino mal utilizado) y tendencia mantener la técnica teatral. Se basan en esta premisa errónea y recurren a personas con ninguna experiencia en el arte de la interpretación, situándolos en roles protagónicos que siempre conllevan un grado de complejidad y profundidad. Al final, con contadas excepciones el resultado es de regular a mediocre.

Ahora el problema al final, pienso yo, no es de los actores que utilicen, ya sean estos profesionales, aficionados o no actores. El problema reside en un desconocimiento sobre la dirección de actores, del proceso de creación de un personaje, la falta de profundidad al analizar el personaje literario por parte del realizador y el miedo al enfrentar este personaje literario con el personaje de carne y hueso que le da el actor. De tal forma que pueden tener a la actriz o al actor más talentoso, pero aún así no se garantizan un buen suceso, debido a su propia impericia y temor como realizadores en el campo de dirigir y acompañar a un actor en el proceso de creación.

Hay tres momentos cruciales en la dirección de actores, donde se toman decisiones por parte del realizador, que van a determinar en gran medida el éxito o fracaso de su proyecto.

1) El proceso de casting
2) El periodo de ensayos antes del rodaje
3) El rodaje


El casting: Generalmente, y esto lo digo por experiencia propia, el casting se limita a: “Perfil, perfil, frente, sonría, diga su nombre, teléfono, edad. Lea este texto, avísenos cuando esté listo ¿Ya? OK grabamos, bla, bla, bla. Nosotros lo llamamos”

El realizador pretende encontrar a su protagonista de esta manera, espera verlo entrar caminando por la puerta, y puede ser que así sea, pero eso es como pegarse el premio mayor de la lotería.

El actor tiene el derecho a conocer su personaje, su historia, sus gustos, sus manías, sus características y su carácter. El realizador tiene el derecho de conocer a su actor, probarlo en sus límites, observar sus capacidades físicas, mentales y de expresión de sentimientos.

El casting debe ser un proceso creativo de alto nivel, el director debe observar a su actor reaccionando ante hechos concretos, esto le dará una idea de lo que puede hacer o no. El realizador al igual que un director de orquesta, siempre será quien mandé y de la pauta de la música a tocar, pero al final el que va ser escuchado tocando por el público, es el músico, el pianista. Así que no está demás, elegir un excelente intérprete, que no solo se vea bien sentado al piano, si no que lo sepa tocar.

Idealmente el actor seleccionado para ir a un casting debería tener acceso a alguna parte fundamental del guión antes de hacer la prueba, esto le dará tiempo de prepararse, de conocer el personaje o simplemente de ser sincero con él mismo y rechazar el papel, que tal vez no llene sus expectativas artísticas o que esté fuera de sus posibilidades expresivas. El actor tiene derecho a eso y el realizador trabajará mejor con un actor que conoce, al cual ha visto trabajar en los límites.

El periodo de ensayos antes del rodaje: Muy a menudo este paso intermedio de ensayos antes de la grabación no existe, o si se hace, simplemente se limita a una sesión de lectura de guión o en el mejor de los casos un simulacro de la puesta en escena, donde se ensayan aspectos técnicos y de caracterización, pero lo artístico: el carácter del personaje, su interacción natural con los otros personajes, la sustancia, se dejan de lado. Este importante proceso de ensayos no se realiza argumentando falta de tiempo, en realidad este tiempo que se pretende ahorrar, al final es cobrado en el rodaje, o en el metraje, en forma de actuaciones vacías, sin dimensión. Una ley de la mecánica dice: “Lo que se gana en una cosa se pierde en otra” y se aplica muy bien en el audiovisual. Así que una recomendación para los realizadores es que incluyan ese tiempo de ensayos pre-rodaje en los requerimientos de la producción. Creo que no se van a arrepentir, al final terminarán ahorrando tiempo y material en el rodaje y las actuaciones serán aceptables como mínimo.

Si se pudiera, es bueno contar un director de actores, un coach, para ocuparse de los aspectos meramente técnicos y de proyección de los interpretes, sobre todo si se trabaja con actores naturales, y el director no tiene experiencia como actor o dirigiendo actores.

Un buen realizador debe conocer los personajes de su película, sus manías, su carácter, debe conocerlos tanto o mejor que el propio actor. El actor solo conoce su personaje, el director debe conocer todos sus personajes, los protagonistas de su creación artística.

El trabajo del director es hacerse dueño de la idea del guionista y mejorarla aportarle cosas. El trabajo del actor es adueñarse de la idea del guionista y del director sobre su personaje, mejorarla, aportarle cosas, con su técnica, con su mente y con su intuición. Esa es una excelente dinámica de creación.

El rodaje: Como dice la realizadora mexicana María Novarro, a esta altura, si has escogido bien tu equipo de trabajo; tus técnicos; tus actores, todo va sobre ruedas, es muy difícil fallar. Si te equivocaste en el casting, es muy difícil que te vaya bien.

Bueno, supongamos que se hizo un buen proceso de casting, se tomó tiempo prudencial para ensayar con los actores, entonces a está altura lo mínimo que puede suceder es el éxito del proyecto.

En este punto es bueno que el actor tenga acceso a parte del guión técnico, para que conozca el tipo de planos, los emplazamientos de cámara y los movimientos. Esto le permitirá hacer un repaso mental de su trabajo y acoplarlo con los requerimientos técnicos de grabación o filmación, lo que le permitirá proyectar mejor su personaje, ahorrar energía y dirigir su concentración para acentuar lo que se debe acentuar. Para esto obviamente el actor debería conocer de su oficio, saber al menos lo básico del lenguaje audiovisual, esto es algo en que los actores y actrices nacionales debemos trabajar.

Generalmente cuando se empieza el rodaje, es la primera vez que el actor estará ahí, muy pocas veces se cuenta con la dicha de ensayar en la misma locación del rodaje. Es importante que el realizador le permita a sus actores reconocer el espacio y si es posible ensayar en él previo a la grabación, sin tener que preocuparse por aspectos técnicos como: el encuadre, el movimiento, la luz, etcétera. Esto le permitirá al actor conocer su nuevo espacio de trabajo y crear para si mismo, para sus compañeros de escena, para el realizador y para el director de fotografía: imágenes y sensaciones nuevas, que pueden llegar a aportar mejoras en el plan de trabajo o la calidad artística de la escena (El delicioso encanto de la intuición) a veces es muy bueno grabar estos ensayos, pero repito: sin que el actor tenga que preocuparse por cuestiones técnicas.

Es cierto que en una producción se tiene que trabajar con horario rígido, el death line está siempre detrás como una sombra negra amenazante y cuando la sombra desaparece por segundos, entra en su lugar el productor a recordar constantemente la carrera contra el tiempo. Esto es así en todo el mundo, pero si se saca el tiempo necesario para trabajar los personajes con los actores, que son parte fundamental del producto final, el resultado siempre será exitoso.

Por último, me gustaría compartir parte del consejo que da el cineasta Robert McKee, a los guionistas al momento de trabajar con actores y actrices. Este consejo bien se puede aplicar al trabajo de dirección de actores por parte del realizador:

Hay que darle libertad al actor: Hay que darle al actor la máxima oportunidad de usar su creatividad; no llenar la página con constantes descripciones respecto a conductas, matices en los gestos, en los tonos de voz:

Bob se recarga en el atril, cruzando una pierna sobre la otra, con uno de sus brazos en jarra. Mira sobre las cabezas de los estudiantes, arqueando una ceja pensativamente:
Bob: (Flemáticamente) Bla, bla, bla, bla…”

La reacción de un actor respecto de un guión saturado con ese tipo de detalles es tirarlo al cesto de la basura, pensando: “No quieren un actor, quieren un muñeco” O si el actor acepta el papel, tomará un lápiz de color rojo y tachará todas esas tonterías. Los detalles que mencioné carecen de sentido. Un actor quiere saber: “¿Qué quiero? ¿Por qué lo quiero? ¿Cómo le hago para obtenerlo? ¿Qué me detiene? ¿Cuáles son las consecuencias? El actor le da vida a un personaje desde el subtexto: el deseo enfrentando fuerzas antagónicas. Frente a la cámara dirá y hará lo que se requiere en la escena, pero la caracterización debe ser su trabajo tanto como el del escritor es escribir o del director dirigir.

Otro ejemplo:


Bárbara:(Ofreciendo una taza a Jack) ¿Quieres esta taza de café, querido?


El público ve que se trata de una taza de café; el gesto dice: “¿Querrías esto?”; la actriz está sintiendo lo de “querido” Sabiendo que menos significa más, la actriz se volverá a su director y le dirá: “Larry, ¿Tengo qué decir:” ¿Quieres esta taza de café, querido? Digo, le estoy ofreciendo la maldita taza, ¿No? ¿No podríamos quitar esa línea?” La línea se quita, la actriz ilumina la pantalla al silenciosamente ofrecerle al hombre una taza de café, mientras el guionista se encoleriza: “Están haciendo pedazos mis diálogos” Robert McKee


Hasta la próxima…


Fuente:

Revista: Estudios Cinematográficos #28

8 comentarios:

  1. Muchisimas gracias super interesante estuvo, demasiado educativo.

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  2. Hola Juan Pablo, gracias a vos por tomarte el tiempo de leer y comentar este post.

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  3. buenisimo blog, buenisimos articulos. en esta nota, de fijo ya los conoces, pero igual te recomiendo mucho la obra de sandy meisner y uta hagen, magnificos profesores de actuacion, tienen tecnicas magnificas y van mucho en la linea de "ser, no actuar"....

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  4. Hola miss bissous, gracias por dejar tu comentario. Algo conozco de Meisner y Uta Hagen, pero me agradaría muchísimo llevar algún taller práctico utilizando las técnicas que proponen. No he tenido la oportunidad de llevar algún taller donde se aborden, pero lo bueno es que acá ya se están impartiendo sus técnicas. Así que en cuanto sepás de algún nuevo taller, te agradecería mucho si me pudieras avisar.

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  5. Hola buenas, interesante lo que dices, y tienes razón en gran parte de ello. Aunque bueno, tal vez lo de los castings esté cambiando algo, digamos que la nueva escuela que está saliendo ahora ya se centran más en este aspecto.En mi caso por ejemplo, me gradué en dirección de cine y ahora soy coach de actores. A mis ex-compañeros de escuela les aterraba el trabajo con el actor,no sé si por no saber comunicarse/expresarse o bien por propio miedo al actor, pero esto pasa y si no se soluciona sucede lo que has comentado, que se quiere encontrar al personaje sin haber realizado el más mínimo trabajo. Yo en mis castings lo que busco primordialmente es una actitud. Una actitud del actor hacia el personaje, me importa bien poco el texto si lo dice o no, estoy más a la búsqueda de algo que me pueda dar en un futuro. En cuánto a lo de que el actor acceda a información, dificilmente será así, yo voy graduando la información que doy, el primer casting es muy poca, si hay un 2º ya se da algo más, y cuando se tiene al actor se empieza a trabajar con él más en profundidad. Que lo ideal es ensayar y bastante, sí, pero date cuenta que en muchos casos (a no ser que sea un amigo o se llegue a un pacto) estas sesiones de ensayo hay que pagarlas, por lo que si la peli es de bajo presupuesto, deciden ir casi sin ensayos a rodar (mala opción pero es lo que hay).
    Dices que si hay un coach pues vendría bien,bueno, si el Director es Director y no Realizador, esta figura de coach no hace falta.
    Y bueno no sé, será porque a mí me encanta esta parte del trabajo, y el actor conmigo emprende un viaje en la búsqueda del personaje. No soy partidario de dar al actor guiones técnicos, ya el modo de como se rueda y esto prefiero contárselo a que vea demasiada información por ahí y empiece a darle vueltas o hacer preguntas sobre algo que da lo mismo. No sé si esto es tal vez algo egoísta de mi parte, pero hasta ahora a mí me funciona así, lo que quieran saber siempre se lo diré, pero no suelo dar documentos o algo por el estilo. Y por último consejo, tanto si son actores, directores o coaches, hablen mucho sobre el personaje, la cantidad de cosas que van saliendo es impresionante

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  6. Hola Sam,

    Muchas gracias por tomarte el tiempo para dejar tu comentario que me parece excelente en todos sus aspectos. Me agrada sobre manera; porque se cumple el objetivo de este blog de intercambiar experiencia práctica entre los diferentes profesionales del sector audiovisual en todos sus niveles.
    Me parece genial tu método de trabajo, pero me gustaría volver sobre dos puntos, y reforzar mi opinión, de nuevo desde mi punto de vista de actor. Primero: Los ensayos; tenés toda la razón en cuanto a la cuestión del presupuesto y el pago de ensayos, sin embargo creo que el actor es el más interesado en hacer bien su trabajo frente a la cámara, por lo tanto creo que dentro de las posibilidades de producción que existan, si hay un verdadero compromiso artístico del equipo de trabajo y existe un buen diálogo entre departamentos, no debería ser tan dificil programar almenos un par de ensayos extras, en mi caso como actor yo no me atrevería a cobrar por algo que va en mi propio beneficio, pero claro siempre y cuando estemos hablando de un proyecto artístico que llene mis expectativas. No me refiero a comerciales de televisión ni nada de ese tipo de cosas.

    Lo segundo es sobre la información técnica que debe tener el actor antes del rodaje. Me parece que tu forma de trabajo es buena, ya que almenos te preocupás por hablar con el actor antes de la toma y eso en realidad se siente muy bien y se agradece como actor. Lo que pasa es que muchas veces no existe ninguna información técnica para el actor por parte del realizador, excepto en las tomas muy cerradas, donde el actor por temor a salir de cuadro se preocupa en demasía por el aspecto espacial y se minimiza su expresividad y capacidad de reacción, cuando lo natural es que sucediera al contrario, los primeros planos deberían ser más expresivos, si se quiere casi que más relajados. Yo creo firmemente que el actor es el técnico encargado de su departamento (Departamento de Interpretación) y al igual que el departamento de sonido y de arte (por citar dos) debe tener conocimientos básicos al menos de encuadres, emplazamientos y travellings, cómo un técnico más. Hay que recordar que el trabajo primordial del actor es construir una relación con sus otros compañeros de escena pero mayormente con el lente de la cámara, debe saber dónde está la cámara, en que plano se está trabajando, así podra saber que le muestra a la lente y que le oculta, esto se traduce en lo que el público puede ver porque el actor lo permite y lo que no deja ver a propósito para que el público tenga que imaginar, intuir, sentir, volverse parte viva de la acción dramática. La mejor manera de lograr esto, creo es conociendo información básica de planos y travellings antes de cada toma, pero no 10 segundos antes, sino al menos el mismo día de rodaje, para tener tiempo de asimilar la información y fijarla en el subconciente de una manera natural. Igual que culaquier otro técnico de la producción.

    Gracias de nuevo por tu comentario Sam y espero tener el placer de trabajar bajo tu dirección en algun momento de la vida.

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    Peace!

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